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Motor de animación es un proyecto experimental de animación colectiva de Bonzo (Raúl Ciudad).
El proyecto consiste en invitar al público asistente a dibujar libremente sobre micas transparentes.
Los dibujos de cada participante son digitalizados en forma inmediata por medio de un escaner y procesados en forma automática para ser agregados a la animación que estará siendo exhibida.
Todo el material registrado en las sesiones será publicado en un dvd bajo una licencia Creative Commons.
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En el hall del emblemático recinto cultural la muestra “Silencio para 5 + En la pampa”, que integra la sección Shoot the Shooter: Cine y Video Arte, en esta ocasión curada por Christian Viveros-Fauné. La exposición presenta el trabajo de seis artistas internacionales incluyendo al chileno Gianfranco Foschino, y marca la primera colaboración entre el festival de cine y el MNBA.
Por primera vez Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC, presentado por CorpArtes, contará entre sus sedes a una de las instituciones culturales más respetadas y emblemáticas de Chile, el Museo Nacional de Bellas Artes. Y tan especial colaboración se desarrollará en el marco de una sección que desde su creación hace cinco años, se ha convertido en uno de los espacios más atractivos y estimulantes del certamen fílmico, permitiendo al público apreciar los nexos entre distintos estilos audiovisuales: Shoot the Shooter: Cine y video arte, la misma que ha presentado al público trabajos de creadores como Juan Downey, Jem Cohen, Andy Warhol y Alfredo Jaar, entre otros.
Es así como este año la séptima edición del festival -que se desarrollará entre el 19 y 27 de agosto- y el MNBA presentarán en esta sección la muestraSilencio para 5 + En la pampa, en la que convocados por el prestigioso curador chileno radicado en Nueva York, Christian Viveros-Fauné, un grupo de destacados artistas internacionales se tomará el hall del centenario edificio , la cual permanecerá abierta durante un mes, hasta el 10 de septiembre.
Este primer hito de SANFIC 7 reunirá obras del ya fallecido David Wojnarowicz, Eve Sussman, Peter Campus, Hadad Hannah, el chileno Gianfranco Foschino y Jordi Colomer, todos reunidos por una particular reflexión y mirada sobre el silencio en los más diversos contextos, y a través de distintos formatos de registro visual.
Silencio para 5 + En la pampa
Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)
Martes a Domingo, abierto entre las 10:00 y 19:00 horas. Lunes cerrado.
Entrada General: $600
Estudiantes / Tercera Edad: $300
Domingos y menores de 8 años: entrada liberada.
Sin palabras: Silencio para 5 + En la pampa
Por Christian Viveros-Faune, curador de Shoot the Shooter *
Hay una biblioteca de dichos sobre el silencio. Para el notable dramaturgo griego Menandro de Atenas, nada era más útil: el silencio, decía, aclara la mente. Para la poetisa del siglo XIX Christina Rossetti, el silencio era más musical que cualquier canción. Hoy, si le preguntan su opinión al respecto a los miembros de la Misión en Afganistán de Naciones Unidas, puede que respondan algo completamente diferente: para ellos, preocupados como están por el futuro de las mujeres abusadas en ese país, el silencio es violencia.
Para los propósitos de esta muestra, me gustaría dejar algo perfectamente claro: el silencio es también discurso. Este es, ciertamente, el espíritu con el que los artistas participantes en esta exhibición han aceptado el desafío de representar su trabajo en el Museo de Bellas Artes durante SANFIC 7. Cargados con ilustrar uno de los medios más estética y tecnológicamente avanzados del arte contemporáneo actual, los artistas Peter Campus, Gianfranco Foschino, Adad Hannah, Eve Sussman, Jordi Colomer y David Wojnarowicz han reunido un set de lenguajes visuales complementarios en una exposición que presenta tanto el rigor conceptual como también un alto grado de placer visual.
Hermosas imágenes en movimiento que avanzan tanto en la trama de la historia del arte como en la historia del cine, cada uno de estos artistas representa un particular punto de partida para el video-arte y su público en expansión.
Desde comienzos de los años 70 Peter Campus, pionero en el campo del video, ha explorado temáticas en torno a la identidad/realidad y la subversión de la relación entre espectador y obra de arte. El cortometraje mudo de David Wojnarowicz, A Fire In My Belly, ha sido controvertido desde su realización en 1987 (enfrentado a un genuino sentimiento religioso y la política sobre el SIDA, este mismo video fue recientemente retirado de exhibición en la National Portrait Gallery de Washington). Los suntuosamente coreografiados trabajos de Eve Sussman han hecho importantes contribuciones al video-arte, seleccionando para sus múltiples fuentes desde la historia capitalizada y la historia del cine. Adad Hannah ha minado el terreno de la performance y el canon histórico del arte, para moldear las intrincadas capas de su tableaux vivant. El video-artista chileno Gianfranco Foschino ha actualizado su elegante naturalismo para incluir una presencia escultural que resulta ser al mismo tiempo física y metafóricamente espectacular. Y, finalmente, el artista español Jordi Colomer -con larga trayectoria explorando avanzadas ideas sobre arquitectura y tropas teatrales a través de la imagen en movimiento- contribuye con una road movie filmada en el desierto de Atacama, que podría haber sido escrita por Samuel Beckett. Su video es el único trabajo con sonido en toda la muestra; su enigmático discurso resulta ser una forma de silencio en sí mismo.
Un testamento sobre el poder del video-arte y su invitación a la contemplación activa, esta exhibición representa algunos de los más altos logros con imágenes en movimiento del arte contemporáneo. Historias visualmente irresistibles que en gran parte rehúsan lo narrativo, los trabajos de este grupo de artistas internacionales subrayan las fortalezas de las artes visuales, así como dicen mucho sus posibilidades para hacer silencio.
*Curador y escritor radicado en Nueva York, el chileno Christian Viveros-Faune ha escrito para prestigiosas publicaciones incluyendo Art in America, Art Review y The New Yorker, y en 2010 fue premiado con una beca para escritores de arte de Creative Capital / Warhol Foundation. Fue nombrado crítico en residencia inaugural en el Bronx Museum durante 2010-2011 y es conferencista invitado en la Universidad de Yale. Es el ex director de las prestigiosas ferias de arte US y NEXT en Chicago, así como VOLTA NY en Nueva York. Junto al franco-peruano Jota Castro, son los curadores principales de Dublin Contemporary 2011, que se desarrollará entre septiembre y octubre en Irlanda.
OBRAS QUE SE EXHIBIRÁN EN LA MUESTRA:
A Fire in my Belly
1986-1987, 13’, Film in Progress
David Wojnarowicz (Estados Unidos, 1954-1992)
Wojnarowicz fue uno de los artistas más inquietos, intensos e influyentes de la escena artística neoyorquina de los años 80, y antes de morir a los 37 años por complicaciones derivadas del SIDA, alcanzó a dejar un importante y valioso legado. Uno de sus trabajos más reconocidos y comentados es esta obra que dejó inconclusa (al final de la proyección se lee “Film in Progress”), filmada en Super 8 y luego traspasada a video. A fines del año pasado la obra estuvo en el centro de la polémica cuando luego de recibir quejas de la Liga Católica y autoridades eclesiásticas, el Smithsonian Museum de Washington decidió retirar imágenes usadas en el cortometraje, de la muestra Hide/Seek: Difference and Desire in American Portraiture, que se presentaba en la National Portrait Gallery. Aparentemente lo que provocó la controversia fueron las imágenes en que se ve a unas hormigas sobre un crucifijo.
Esta medida no sólo fue rechazada por instituciones como la Andy Warhol Foundation y la Tate Modern, sino además fue cuestionada por los herederos del artista y P.P.O.W., la galería que ha representado sus obras desde 1988 y mantuvo una cercana relación con éste hasta su muerte en 1992. En un comunicado que han difundido en todos los lugares donde se ha exhibido este trabajo en los últimos meses, P.P.O.W. ofreció las palabras del propio Wojnarowicz para iluminar sus intenciones originales, extraídas de una entrevista de 1989 en la que hablaba sobre el rol de los animales como imaginario simbólico en su trabajo: “Nos permiten ver ciertas cosas que no nos permitiríamos ver en relación a las actividades humanas (…) Usé las hormigas como una metáfora de la sociedad, porque la estructura social del mundo de las hormigas es paralela al nuestro”. P.P.O.W. y los herederos del artista lamentan que lo sucedido en el Smithsonian parezca un eco de los prejuicios y rechazos del pasado, y que la lucha de Wojnarowicz por la libertad de expresión artística, vuelva a ser desafiada en estos días. Pero confían en que en su ausencia, todos los que creen en su obra seguirán apoyando sus convicciones en el futuro.
Aquarium
2006, 40’, video
Eve Sussman (Inglaterra, 1961) / Rufus Corporation
Aquarium fue creado durante el rodaje de El rapto de las sabinas (el famoso film de Sussman que ofreció una reinterpretación del mito romano, actualizado y ubicado en los años 60), y fue filmado en la Casa Valsamakis, una emblemática vivienda de estilo de los años 60 desde la cual se contempla el Mar Egeo en Grecia. Sussman utiliza la mirada “vigilante” presente en gran parte de su trabajo, en situaciones que organiza con sus actores, que implican largas tomas y aún más largas improvisaciones. Para crear este trabajo la compañía se mudó a la casa durante una semana, no abandonando nunca el set y sin salir jamás de sus personajes. El resultado, una observación estática sobre una familia extendida detrás de una pared de vidrio, es una lección en dinámicas de grupo, con los actores articulando las banalidades de la clase ociosa de los años 60 en toda su intriga y hastío. A tono con el concepto de Shoot the Shooter, por momentos la directora, coreógrafa y cámara rompen la “cuarta pared” apareciendo reflejados o entrando en la toma para mover la pared de vidrio o incluso ocultar la escena completamente de la vista.
Fluxus
2010, 7’, video-escultura
Gianfranco Foschino (Chile, 1983)
Una pantalla LED de 3 x 1.6 mts. instalada en el hall central del MNBA, que exhibe sin movimientos de cámara o modificaciones formales el Ventisquero Queulat, ubicado en el extremo austral de Chile. La composición pictórica, sutil movimiento, profundidad y nitidez del cuadro invitan a los espectadores a interpretar el cambio constante de la video-escultura como una nueva experiencia contemplativa del paisaje, enfrentados e insertos en esta lejana vegetación solitaria.
La obra de Gianfranco Foschino reflexiona a partir del tiempo, la luz y la composición, generando una inédita cercanía con el paisaje extático del Sur, constituyéndose poéticamente como un portal que sólo adquiere sentido en el justo equilibrio entre lo estético y lo netamente experiencial.
Passage at Bellport Harbor
2010, 26’, video
Peter Campus (Estados Unidos, 1937)
Con su obra coleccionada por importantes museos -incluyendo el MoMA, el Whitney, el Guggenheim, la Tate Modern, el Reina Sofía y el Pompidou-, desde hace mucho Peter Campus ha sido considerado un artista innovador, uno de los primeros en tomar una cámara de video y realmente crear arte. Passage at Bellport Harbor es una tranquila meditación sobre el paso del tiempo y el lugar que ocupa la humanidad en el mundo natural. Seis minutos de imágenes son retrasados hasta convertirse en 26, permitiendo al espectador concentrarse en la manipulación del color y la forma que realiza el artista, y en el suave y rítmico movimiento de los barcos flotando en el puerto. Lento y deliberado en movimiento, sonido y desplazamientos de la luz, este trabajo ejerce un efecto hipnótico en quien lo contempla, oscilando entre la pintura expresionista y la animación pixelada.
Repose (on the Plinth)
2008, 4’, video
Adad Hannah (Estados Unidos, 1971)
Este video fue producido en el Museo Nacional del Prado. La obra muestra a dos jóvenes tratando de mantenerse quietos mientras están sentados en un pedestal sosteniendo un espejo, con sus cuerpos bloqueando la visión de Las Meninas (1656), de Velázquez. El espejo que sostienen entre ambos refleja el rostro de uno de ellos, de tal forma que parece que estuviera mirando directamente a la cámara, mientras imita también el espejo que se ve en el fondo de la obra maestra de Velázquez, un objeto pintado que ha sido el centro de muchos análisis. Mientras los hombres intentan mantenerse inmóviles, el espejo se mueve hacia adelante y hacia atrás, acentuando su incapacidad para permanecer en una sola posición y también aludiendo al significado cambiante de toda obra de arte, que se mueve a través de los años y es sujeto al tiempo una y otra vez para una renegociación del sentido con cada uno de los posteriores observadores/observación. Este trabajo fue producido durante un día de una filmación cuidadosamente planeada, pero fue, de hecho, una toma extra, concebida en el momento. El pedestal donde los jóvenes se sientan, habitualmente sostiene una escultura de bronce que representa a un hermafrodita, pero cuando Hannah llegó al museo para filmar, la estatua había desaparecido del pedestal, situación que fue rápidamente aprovechada por el artista.
En la pampa
2008, 4 minutos, video
Jordi Colomer (Barcelona, España, 1962)
En la entrevista “Habitar el decorado”, para el catálogo de su muestra Fuegogratis, exhibida en 2008 en el prestigioso museo parisino Jeu de Paume, el artista catalán Jordi Colomer comentaba algunos aspectos de una de las video-instalaciones que la integraban: este video registrado en Chile, en el desierto de Atacama, que parte cuando una joven, María, deja su hogar en la ciudad minera de María Elena, para adentrarse en el desierto. Sobre el diálogo que nace en un inesperado encuentro, Colomer explica: “El texto dialogado surge casi naturalmente de la situación. Estamos en un espacio desértico, al norte de Chile, con casi 50º de temperatura. Imaginemos a un chico y una chica que van andando cada uno por su lado y se cruzan en un paso a nivel, el único en unos 500 kilómetros a la redonda; evidentemente, empezarían a hablar entre ellos: “¿En qué colegio estudiaste?”, etc. La pampa se transforma entonces en un gran escenario, en el que el texto se convierte en una especie de materia para experimentar, improvisar, jugar (…)”
“Tuve que situar a los actores, que en realidad son unos no-actores, en una especie de lógica narrativa siguiendo un desarrollo lineal. Hay puntos de partida, el lugar donde se encuentran, y una deriva; todo se enmarca en una geografía concreta, asociada con el viaje. Salvé cinco situaciones, que no conservan forzosamente su carácter narrativo inicial y tienen que funcionar cada una de forma autónoma. Estos fragmentos se presentan simultáneamente en pantallas diferentes. En uno de ellos, la pareja intenta recordar una cita de la teoría de la deriva de Guy Debord, que es a su vez una crítica de cierta poética de los surrealistas. En todo caso, en la pampa, ese esfuerzo por incrustar una cita en el paisaje se carga de comentarios, errores e improvisaciones y su diálogo la dibuja de forma bien diferente”.
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Rodrigo Maturana, el “Maestro Maturana” es un gurú para varias generaciones de cineastas y videístas Chilenos. Actor, poeta y guionista. Maturana protagonizo escenas inolvidables de la historia del cine chileno, como su improvisación en Palomita Blanca de Raúl Ruiz , en la que personifica a un maestro de escuela. Maturana trabajo con Ruiz en cuatro películas , tambien realizo filmes con Cristián Sánchez y Carlos Flores. En los ochenta se vincula con Ricardo Carrasco “Farfán” , Vicente Parrini, Gonzalo Duque y Álvaro Silva . Maturana los insista a desarrollar una nueva narrativa visual alejada del cine documental y su puro registro por una búsqueda mas libre y creativa creando el colectivo “Taller de escritores Audiovisuales”. Maturana formaba parte de una generación que fue contemporánea del teatro del absurdo, metodos de creación crítica y dramaturgias experimentales. En los ochentas desarrollo una poética que se contrapone al video arte y sus efectos electrónicos por el video vida, uso de la escritura de la cámara apoyado por el uso del plano secuencia.
f. Apuntes para un Historia del video en Chile. (Germán Liñero Arend).
EL 2O de Agosto ”SANFRIK FESTIVAL DE CONTRACINE NACIONAL” realizara un rescate y homenaje a la obra del “MAESTRO MATURANA”. Se exhibirán sus películas y ademas se realizara un foro con Rodrigo Maturana mas dos de sus discípulos.
IMPERDIBLE DESDE LAS 15 HRS EN LA FACULTAD DE ARQUITECTURA Y URBANISMO DE LA UNIVERSIDAD DE CHILE, MARCOLETA 250, SANTIAGO. APORTE VOLUNTARIO.
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MANIFIESTO SANFRIK FESTIVAL DE CONTRACINE NACIONAL
JUEVES 4 DE AGOSTO 2011 – SANTIAGO DE CHILE
Somos un grupo de cineastas y artistas comprometidos con diversificar la oferta audiovisual chilena. Apoyamos la producción y exhibición de un cine alternativo al de las carteleras tradicionales. Sanfrik surge del colectivo CONTRACINE con necesidad y urgencia por generar nuevas instancias de proyección para la producción nacional.
Queremos generar un encuentro comunitario en torno al cine, abriendo nuevos espacios como casas, tomas y centros culturales populares y organizaciones comunitarias.
Trabajamos y promovemos la realización cinematográfica autogestionada e independiente, donde las posibilidades creativas se ven sujetas a una organización colectiva entre cineastas, artistas y amigos.
Se busca difundir y promover la práctica fílmica en sectores independientes de distintas regiones del país.
CONTRACINE Movimiento & Creación recupera el sentido de comunidad y trueque en relación a la experimentación y la vivencia, discutiendo y conversando respecto a las problemáticas del cine nacional, sus procesos creativos, su financiamiento, producción y difusión.
SANFRIK busca acercar el cine a la comunidad, siendo los espectadores la voz viva del festival, interactuando con los realizadores a través del dialogo y votando por la proyección que más les guste.
SANFRIK es autogestión, una invitación a compartir, sin fines de lucro, del 18 al 28 de agosto, en distintas sedes a lo largo y ancho de Chile, adhesión voluntaria.
Suscriben: Rosa Angelini, Sebastián Concha, Susana Díaz, Ivo Malinarich, Fabiola Matte, Nacho Pastor, Efraín Robles y Matías Sánchez.
Bases y videos en http://alferezreal1149.blogspot.com
Email de contacto alferezreal1149@yahoo.cl
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Por Paula Rodríguez.
A partir de la igualdad sostenida por Hume entre los animales y el hombre se pretende desarrollar el tema de la identidad aplicada a Francis Bacon y a The Alphabet. Se pretende desarrollar éstas temáticas a partir del concepto de divinidad heredado desde el Cristianismo hasta la actualidad en Occidente.
La razón como instinto es una idea que Hume en el Tratado de la Naturaleza Humana ya había desarrollado “las bestias poseen pensamiento y razón, igual que los hombres” (sección XVI parte III libro I). Sin embargo en un contexto completamente diferente. La constante diferenciación que el hombre a lo largo de la historia ha tratado de establecer de diversas maneras respecto de los animales se mantiene. Aquella superioridad que el hombre despótica y arbitrariamente desarrolló a través del Cristianismo en Occidente, superioridad respecto de sus pares: el resto de los animales; que según su mitología, la del Cristianismo, han sido creados para el servicio del hombre caído a la tierra por el pecado original en el abajamiento de la humanidad.
Francis Bacon toma el tema del cuerpo como heredero de Occidente, lo distorsiona como el cristianismo hace con Cristo en la Eucaristía. Pero esto no es relevante sino y tan sólo en el hecho de que muestra la evolución del pensamiento de la divinidad en el hombre. Lo divino es un concepto, y lo llamo concepto sólo para excluirlo de idea y otros tantos significantes tan susceptibles de ser divinizados. Tomaré del concepto de divino algunos otros conceptos que le son inherentes como perfección e inmutabilidad y eternidad arbitrariamente sólo para los fines que aquí pretendo. Perfección abarca dentro de sí los conceptos de inmutabilidad y eternidad.
Perfección en su sentido más abstracto y general hace alusión en el pensamiento del hombre a sus pretensiones cargadas de contenido moral, se podría representar como un supremo bien (bien tómese en un sentido no platónico). En el Cristianismo las pretensiones superiores del hombre las proyecta en un ser ficticio.
La inmutabilidad y eternidad son en el hombre aspiraciones que se representan mayormente cuando la religión cae en el descrédito y el hombre queda en el desamparo. El hombre ve y queda consternado ante el horrible Dios que había tenido por divino. Feuerbach es claro en este punto evidenciando que Dios es creatura. Es entonces cuando el hombre aparece ante si mismo y la identidad se hace un problema angustiante, Lacan lo representa en el estadio de los espejos. Pero el mayor problema es cuando se diviniza la identidad. Divinizar la identidad puede darse de dos maneras: Primero cuando se da por supuesta la existencia de una identidad, y segundo cuando se le da suma importancia ya sea afirmándola o negándola exacerbando la vanidad. En este segundo sentido la identidad es el medio por el cual el hombre se acerca a una divinización de la vanidad.
La cabeza en Bacon como realidad humana irreductible aparece en sus obras desfigurada pero reconocible. El hombre como carne desgarrada es hombre y no animal. La animalidad del hombre puede verse sólo como la negación de racionalidad patente en su obra. Y para qué decir de alma y espíritu. Respecto del inconsciente y su develación, me parece forzoso ver el sentido lacaniano. Sin embargo es claro como el psicoanálisis prevalece sobre todo respecto del instinto de muerte. La carne, el cadáver, la angustia a la muerte, la tendencia a la repetición. Hume habla de una razón instintiva a diferencia de lo que luego Freud desarrollará en su teoría psicológica reduciendo todo el aparato psíquico humano a una irracionalidad humana. Hume habla de razón instintiva en el sentido cognitivo de razón, la cognición propia del hombre es reducida por Hume al mismo mecanicismo instintivo de los animales. En cambio Freud exacerba y da relevancia a la semejanza del hombre con los animales a partir de la irracionalidad descuidando la peculiaridad cognitiva del hombre. La animalidad instintiva de Bacon en los cuerpos desgarrados, en la carne humana se reduce sólo a la parte irracional del hombre en el sentido de Freud.
Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion II, 1962
Bacon reduce la carne, la animalidad sui generi de su obra a una lectura de época donde el surrealismo ya había hecho gran parte respecto de la literatura de Freud. Sin embargo el surrealismo toma de Freud en demasía el primer instinto, el de vida. En cambio Bacon el instinto de muerte. Bacon mezcla este instinto con su propia experiencia homosexual en conjunto con la revolución de género en general que caracterizaba el contexto histórico. En gran parte de su obra el hombre se presenta como un hombre desgarrado, como carne, asexuado.
The Alphabet trata el tema del desgarro de la carne en el sentido onírico propio del postsurrealismo. La emanación y la creación se presenta en como la animación se va articulando. La animación se mezcla con la realidad. La oscuridad es casi permanente. Una boca tras las rejas respira aceleradamente. La transformación es constante.
Una figura humana es dimanada, pero su figuración es apenas simbólica, sólo es reconocible cuando su rostro aparece, y aparece como desfragmentado y unido por superposición. Totalmente diferente en este respecto de Bacon donde la forma humana es constante y figurativa. El hombre ya no es reducido a la carne, a lo que le es común con el animal. Sino que es reducido a color y forma, un estilo entre cubista, bauhaus y Kandinsky. El hombre es vida sólo en el tiempo, y es reconocido y conocido por el tiempo. En The Alphabet el hombre sólo aparece cuando su rostro toma una forma humana figurativa, cuando desaparece sólo seguimos reconociendo la figura humana por la contigüidad del espacio y el tiempo. Es más el pasado se configura en la memoria a partir del tiempo que va transcurriendo en una idea temporal que es a su vez en tanto que idea atemporal. Esto puede originar el problema de pensar en una identidad que permanezca en el tiempo. En la pintura como en la fotografía por ejemplo se da una inmutabilidad y eternidad si nos situamos en la misma diégesis de la obra; no en cuanto la obra en el mundo, en el tiempo y en el espacio. En cambio el cine, el video y el teatro son formatos donde el tiempo es parte de la diégesis lo que es una ventaja en éste respecto ya que representa de mejor forma o más completa la identidad del hombre como sujeta al cambio.
Lynch a partir de la animación configura una realidad donde el hombre se crea y aparece paulatinamente en el tiempo, pero descubrimos que es hombre sólo cuando su rostro se hace patente. Y a través que transcurre el tiempo ya no es el mismo, y no es nunca el mismo. Y que muere y en la muerte su rostro cubierto de sangre es sólo muerte, y que él ya no es.
Desde un corazón surgen letras que llegan a la cabeza de la figura humana introduciéndose en ella. Las letras como elemento que le es peculiar a la humanidad la definen y la diferencia de los animales. Sin embargo las letras se configuran dispersas sin significado y como ladridos semejante a los sonidos emitidos por los demás animales. El alfabeto como parte constitutiva mínima del lenguaje, como el origen del lenguaje es mostrado en The Alphabet que transita desde el corazón a la cabeza denotando lo irracional y racional compartiendo un elemento en común que es el lenguaje. Sin embargo el lenguaje es una deducción apresurada porque lo que se muestran son letras. Entonces puede pensarse que The Alphabet deja en duda las abstracciones, generalizaciones, uniones de conceptos, de letras, de palabras, de frases. Lo que queda en el hombre es semejante a los animales.
The Alphabet muestra al hombre desde una ficticia mirada que cualquier animal podría tener respecto del hombre, tal como los hombres miramos a los demás animales. Lo que el hombre configura a partir de sus elementos constitutivos mínimos del lenguaje es irrelevante como lo son los ladridos entre dos perros para el hombre. Dos perros pueden estar jugando o peleando, como el hombre que se muestra en The Alphabet puede estar teniendo miedo o angustia sin necesidad de palabras. ¿Las palabras y lo que de ellas pueda desprender el hombre son sonidos que no representan más que lo que un perro pueda representar con un ladrido?
Un grito y la sangre fluye por todo su rostro, lo cubre y casi no puede verse el rostro. La cabeza de la figura humana desaparece y su simulación de cuerpo queda todo derramado de sangre; ya no hay rastro de humanidad, sólo la sangre que nos asemeja y nos confunde con lo animal. La sangre como representación de la vida, la vida sólo se hace patente en el hombre cuando muere y es así que utiliza Lynch la sangre a modo de cliché. Como lo distintivo del color, la forma y del mecanicismo del mundo (si se quiere pensar como mecánico, utilizo el término con un fin explicativo) que compartía la figura humana con todo lo perteneciente al mundo antes de la sangre.
Las bocas son reiterativas, y una de ellas aparece luego con los labios rojos y se puede ver que su piel es muy blanca resaltando aún más el rojo sangre. Después la misma mujer del principio acostada en la cama con su cara ensangrentada y atemorizada mientras pequeños círculos caen en sus sábanas. Luego la mujer acostada en la cama aparece con un tamaño reducido al lado derecho inferior del plano; los planos son varios y muy rápidos, la mujer va cambiando de posición en cada plano y siempre acompañada de alguna letra. La repetición (ya sea de la sangre, del miedo, de los gritos, de la angustia, del sueño como eminente muerte) es usada reiterativamente a lo largo de The Alphabet como lo es la compulsión a la repetición del que habla Freud en “Más allá del principio del placer” donde hace hincapié al hecho de que los hombres en ocasiones reiteren por ejemplo en sueños hechos dolorosos de sus vidas. Ésta reiteración es explicada por el instinto de muerte, thanatos. Luego aparece un repentino grito. La calma se va intercalando con el espanto. La pausa y la velocidad, la agitación y la calma. El espanto finalmente prevalece en la imagen de la mujer que vomita sangre. Y comparte con Bacon el “responder a los apetitos de su propia condición animal y autodestructiva, tiende a disgregarse y desaparecer” (Francis Bacon; el desgarro del yo y la deriva de la carne por Adolfo Vasquez Rocca).
La identidad del hombre como la carne desgarrada que Bacon representa puede tomarse como una búsqueda de identidad. Y en la misma búsqueda puede verse como la carne, si se toma en si misma sin referirse a la forma, es una carne vacía e informe en tanto pura carne. Sin embargo existe forma humana y con ello hay una identidad y no un vacuo, el espanto, la angustia, una angustia existencial. La identidad arraigada en la obra de Bacon se suscribe según las definiciones hechas en un principio tanto a una divinización de la identidad como de la vanidad.
La identidad en The Alphabet asume una deformidad, una corrupción, no somete la carne en conjunto con la figura humana como inherente a la carme a las deformidades como lo hace Bacon. Sino que en el tiempo es destrozado el hombre, en cada segundo. El hombre nunca es el mismo y muere constantemente en el tiempo, lo único que lo hace reconocible como el mismo hombre es la contigüidad espacio temporal.
Bibliografía
- Francis Bacon; la deriva del yo y el desgarro de la carne. Adolfo Vásquez Rocca.
- “Más allá del principio del placer” Sigmund Freud. Amorrortu.
- “Tratado de la naturaleza humana” David Hume. Traducción Feliz Duque.
TALLER DE ANIMACIÓN 2D
CUATRO TÉCNICAS – CUATRO SESIONES
1. MICAS Y PLUMONES.
Primeros ejercicios de animación.
2. DIBUJOS SOBRE PAPEL CON CAJA DE LUZ.
Animación “pose a pose”.
3. BAJO LA CÁMARA CON RECORTES, PLUMONES Y OBJETOS.
Animación “hacia adelante”. Para esta sesión se requiere que los asistentes lleven cámara fotográfica digital.
4. MIXTA
Combinación de las anteriores segun la eficiencia y resultados visuales esperados dependiendo de cada caso.
MARTES 19:00 – 22:00 HRS.
$20.000.- POR PERSONA
INSCRIPCIÓN Y CONSULTAS: BONZO.BZ@GMAIL.COM
INICIO: 9 DE AGOSTO
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BASES SANFRIK1 SELECCIÓN OFICIAL
1. Proyectamos largos, cortos, documentales, híbridos, videoclips, nanometrajes, videoarte, pilotos de series que nunca vieron la luz, en suma toda película chilena cualquiera sea su duración terminada en DVD, da lo mismo si se dio antes en alguna parte del universo, del ciberuniverso o en un universo paralelo.
2. Se premiará con tres (3) becas 100% para los Talleres Integrales Contracine 2012 (http://alferezreal1149.blogspot.com) a los tres trabajos en competencia más votados en las distintas sedes del festival. Los proyectos enviados no entran en categorías, todos los proyectos tienen las mismas oportunidades de adjudicarse los premios.
3. Los beneficiados serán elegidos por votación popular. Después de cada función, los espectadores votaran una vez en por función. Se hará un recuento de las votación de todas las sedes participantes y se eligirá un ganador el día 27 de agosto y el 28 de agosto será premiado en el fiesta de clausura de SANFRIK 2011
4. Los participante tienen que enviar 3 copias en DVD (NTSC y .MOV) del proyecto y estar rotulados con el nombre de la obra, del director, la ciudad y la duración y ser enviados a Alferez Real 1149, Providencia (SANFRIK 2011 no cubre costos de envio). Estas copias serán copiadas y distribuidas en las sedes participantes.
5. También deben enviar un CD con una foto del director, una filmografia breve, sinopsis máximo 5 líneas, ficha técnica y artística, año de producción, un afiche digital para subir al blog y tres fotos del rodaje (No es necesario que las fotos tengan 300 DPI, pero sí que se vean bien, sean representativas de la obra y sirva para los efectos de promoción y catálogo on-line).
6. Entendemos que si nos mandan sus trabajos es porque quieren ser parte de la competencia o de la muestra del SANFRIK 2011. Las copias no serán devueltas, se archivarán y conservarán como parte de la colección de Contracine Movimiento y Creación.
7. Recepción de películas hasta el 10 de agosto.
8. Para más información enviar mail a alferezreal1149@yahoo.cl o visitar http://alferezreal1149.blogspot.com/.
BASES SANFRIK1 PARA LAS SEDES
1. Invitamos a aquellas personas motivadas que quieran habilitar por los 11 días que dura el evento el living de su casa o su pieza o una casa okupa o lo que sea, solicitar la programación …, le sacamos copia y exhibimos en paralelo en otras sedes. Invitamos a los Cineclubs, a los Centros Audiovisuales Populares y a todas las instancias… mostremos, conversemos, discutamos, aprovechemos. Se viene en paralelo la programación en Llay Llay, motivense en Viña, Valpo, Conce, Temuco, Valdivia, Iquique. Sin fiesta en el Hyat, sin peliculas en Malls. Vea cine aquí, con piscola en mano, con la posibilidad de conversar con los realizadores tras la proyección. No al arribismo, no a la imagen falsa de los jaguares, de los ingleses de latinoamerica, del papelito de los 33… Recuperemos los espacios públicos, la calle -el imaginario- es nuestro.
2. Las Sedes que quieran participar tienen que contar con un proyector, un dvd y un PC con facilidad de conectarse a internet para hacer las conversaciones con los directores on-line en todas las sedes simultáneamente vía skype. De este modo todas las Sedes son partícipes de las conversaciones y podrán hacer preguntas al los distintos realizadores.-
3. Las sedes que quieran sumarse deben hacernos llegar una torta con 25 DVDs a Alferez Real 1149, providencia.
4. Para más información enviar mail a alferezreal1149@yahoo.cl o visitar http://alferezreal1149.blogspot.com/.
MANIFIESTO SANFRIK
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SPOTS DEL FESTIVAL
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El festival es un laboratorio en vivo para experimentar la mezcla y edición en tiempo real ,de imágenes en movimiento, acompañadas al ritmo de la música , lo que creara un espacio totalmente envolvente para el espectador.
Además se contara con un elemento extra que le dará el carácter de novedad al evento: los artistas visuales serán informados de su colaboración con la banda o músico solo una semana antes de la fecha programada, así todo lo creado para el día del show será una sorpresa para ambos participantes.
Esta iniciativa esta abierta para todos aquellos artistas, audiovisualitas o colectivos, bandas y músicos que estén interesados en investigar sobre las posibilidades que nos da la proyección de imágenes en movimiento , mezclados con performance, danza y sonido en vivo para futuras versiones del festival.
BANDAS :
+ MEGAJOY
+ UNA NIÑA MALVADA
+ LA IGLESIA DE ABIGAIL
+ TOSH EL NOIZ
+ FLUJO ALGORITMICO
+ CORAZÓN DE ROBOTA
VISUALISTAS :
+ FANTASIA INUIT
+ FRAPPÉ TV
+ PIFFARDI + CONTRERAS
+ EDI_FICA
+ JORGE PANCHANA
+ CONSTANZA FIGUEROA
DJ’S :
+ ALVAREQUE
+ NAWITO
+ ANDREA PAZ
+ PERFORMANCE DE MARLE YAHIRA
Y SORPRESAS
SÁBADO 11 DE JUNIO, 22 HORAS
LAS TINAJAS, VICUÑA MACKENNA 1543
$1000
http://sonidovisual.tumblr.com/
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Cristóbal & Abigail
http://myspace.com/laiglesiadeabigail
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“Protistas el reino más pequeño” es un documental sobre Prostistas , banda destacadas el año 2010. Segundo documental dirigido por Denise Elphick, quien debutara con Femme Rock ( 2009). Acá un WIP ,adelanto de esta película en proceso que promete ser un retrato fiel y sutil de la banda.
Sinopsis
En Chile el panorama para las bandas independientes es complejo, tratan de abrirse paso en un mercado musical hostil y desinteresado en los nuevos sonidos. En este contexto emerge Protistas, agrupación formada por 4 amigos que sin pretensiones comienzan a tocar en los pequeños escenarios santiaguinos. Su disco debut “Nortinas War” es considerado por los medios nacionales especializados. una de las mejores producciones del 2010. Protistas ve como cada día es más difícil sobrevivir de la música. Los amigos, los viajes y los esfuerzos por mantenerse hacen que la banda no pierda de vista sus objetivos : ” Poder hacer música en el reino mas pequeño”
Sobre su directora ..
Bios
Denise Elphick Realizadora , directora de fotografía y montajista egreso de la Escuela de Cine de Chile. Se ha desempeñado en cortometrajes, videoclips, televisión, largometrajes y documentales . Su primera película documental Femme Rock (2009)recorrió varios festivales nacionales e internacionales. Actualmente realiza una serie de documentales de música entre los que destacan “Protistas” y otro sobre los Djs nacionales Roach y Fat Pablo. Además proyecta visuales en vivo para diferentes bandas nacionales.
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