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Por Luis Felipe Horta

Miércoles, 22 horas, Bar Liguria. Todo tenía mal aspecto.

En el marco del Festival In Edit, se exhibiría un avance del documental “El Frío Misterio”, sobre la mítica banda ochentena “Electrodomésticos”. La presentación tenía un buen gancho: la presentación de la banda (casi) original interpretando viejos y nuevos clásicos.

La película, de la cual se exhibieron veinte minutos, utiliza los cuatro dispositivos clásicos de un documental de banda: Recitales de época + Entrevistas recordando el pasado + Música de la banda en pseudos videoclips = Documental de banda musical.

Dicha fórmula a circulado en todo In Edit, hablando de la mezquindad de recursos audiovisuales presentes a la hora de hacer un retrato de un personaje, donde el director como un fan no hace sino deslumbrarse ante sus ídolos tras el ojo mecánico de la cámara.

No es menor en el caso de “Electrodomésticos”. Banda de culto underground en los ochenta, eclécticos, avasalladores, con un Carlos Cabezas extremadamente lúcido como inquietante, y una historia de arte en dictadura, posee los elementos significantes de un personaje “freak” para una escena ochentera que en vez de avanzar sobre el discurso social, reconvertía el discurso de la plástica para hablar del vacío de una generación.

“Electrodomésticos” nace como un producto de las elites artísticas de vanguardia en unos ochenta militarizados, torturados y alienados. En aquellos años, ser la contracultura, cuando la cultura era Patricia Maldonado, era un acto de rechazo no solo a la dictadura, sino también a una sociedad que reclamaba con algo que en el fondo les otorgaba regalías y un buen pasar. Surgen voces como “Los Prisioneros”, que precisamente reclamaban contra estos “cuicos que bajan desde Vitacura para poder pasarla bien”, y que prontamente se ven seducidos por esta intelectualidad underground, que monopoliza la avanzada estilística, reclama en contra de los militares y organiza pequeños recitales clandestinos que hoy son parte de los mitos bohemios de Santiago.

Bandas como “Electrodomésticos” representan esa hibridez, extremando recursos como la utilización de radios viejas o recuperando el hablar popular; realizaban recitales alucinantes sin tener que utilizar la receta guitarra-bajo-batería, logrando introducir sintetizadores (en aquellos años sinónimo de música techno), grabaciones de cassetes y principalmente la inversa a la farándula pop y anti pop.

Sintomáticamente, esta actitud reacia a la prensa, y abierta a la experimentación sonora, significó adscribirse a un público, que alucinaba precisamente con esta postura descreída de los sellos, de los recitales masivos, de la edición serializada de singles.

“Electrodomésticos” cambió. Chile cambió. Los entonces jóvenes New Wave cambiaron.

Hoy Carlos Cabezas toma whisky en el escenario mientras se las arregla por ser mucho mas joven musicalmente que muchos jóvenes, por que sus pseudos hits de hace veinte años atrás sigan sonando frescos, mas aún que las nuevas composiciones que con abierta vocación pop, no escatiman en hacerle guiños a esos jóvenes de ayer que hoy son empresarios, ocupan cargos, viajan a Los Ángeles y evidentemente le replican el salud de whisky que la banda enuncia a su generación.

Ver a la banda hoy es un espectáculo, sin duda. Son tan avasalladores como cualquier clásico del rock realizado acá, menos masivos si se quiere, pero, siendo sinceros, hoy hechos un estandarte.

Ver a “Electrodomésticos” hoy es ver una banda que perdió la irreverencia, que se escuda en canciones que son pasadas por telenovelas, que corean chicas lais que nunca conocieron las viejas canciones, pero que perfectamente podrían ser las estudiantes de Bellas Artes de hoy en una universidad privada.

Los ochenta terminaron por heredarnos una generación que bajo el arrogante rótulo de haber “peleado por la democracia”, terminó autodevorándose en el libre mercado. Una generación de discurso de vino y queso, que sacraliza en el Liguria todo lo que repudiaban, el inverso a lo que pretendían representar. Esa generación hoy tiene oficina, tiene viajes, tiene estatus, tiene peluquera, ropa de marca, vino de marca, trabajo de marca y amigos sonrientes.

“Electrodomésticos” terminó convirtiéndose en eso, en una banda sonora de aquellos que lo pasan bien, y si bien esa autocomplacencia los lleva a seguir tocando canciones geniales, a sonar como no suena nadie, a seguir haciendo vanguardia con composiciones de hace veinte años atrás, se han despojado de la carga crítica estética que los caracterizó en dicha época. Dicho de otro modo, nunca mas veremos a aquella banda molesta en términos estéticos, y cuestionando del lenguaje musical.

Muy por el contrario, hoy incluso se hacen documentales clásicos sobre la banda, para ese público ávido de nostalgia, que aún cabecea con “El Frío Misterio”, que aún compra los compilados de rock chileno de los ochenta donde el mercado no duda un segundo en mimetizar su complejidad musical con bandas tan bastardas como “Engrupo”, minimizando el caudal de esos dos discos imprescindibles del rock local como son “Viva Chile” o “Carrera de Éxitos”.

Tenía razón Carlos Cabezas con sospechar de la multinacional que los quería contratar allá en los ochenta para publicar sus discos. El mercado no solo se los tragó a ellos, sino a toda esa generación, que hoy encuentra su lugar en pequeños nichos neo aburguesados, imaginando ser lo que no se es: un joven en los ochenta en un recital underground en un galpón de Matucana.  Mientras otros, mitifican lo que nunca conocieron, pero que se sienten felices utilizando esas mismas estrategias formales para sentirse parte de un mundo que ya no pretende siquiera existir.

Por Cristián Olea

2º Festival de Solistas en Solitario
Cine Arte Normandie
1º de agosto 2009
Santiago de Chile

La 2ª versión del Festival de Solistas en Solitario reunía a una buena muestra de, según mi opinión, lo más atractivo de la música popular en Chile en la actualidad.
Y las butacas del Normandie confirmaron la buena salud de este nuevo estallido de cantantes solitarios.
Si bien no agotaron las entradas como lo hacía Chinoy hace algunos meses en el mismo teatro, la gente respondió (incluso con un precio que amenazaba a los bolsillos proletarios y resultaba cómodo para los niños universitarios izquierdistas de buena familia).
El cartel prometía y la producción fue tan sobria e íntima que logró la atmósfera perfecta para establecer un vínculo fraterno con cada uno de los que pisaron el escenario.
Abrió Leo Quinteros con un show correcto pero algo distante, hasta carente de emoción. Si bien no se caracteriza por una voz visceral ni mucho menos, otras noches estuvo más intenso con la guitarra en las manos. Tal vez está más concentrado en las sesiones de su futuro disco y la falta de empatía le pasó la cuenta. Sin embargo, hizo un set que recorrió los hits de sus distintos álbumes, priorizando Los Accidentes del Futuro; logrando su punto máximo con La Enredadera, haciendo sentir que definitivamente estábamos frente a un clásico que bien pudo ser parte de los singles de La Nueva Canción Chilena.
Después vino Diosque, el invitado internacional. Un argentino con un estilo muy particular. La verdad, a ratos me faltaban elementos para analizar su entrega en el escenario. Una guitarra muy folk, con un rasgueo incesante y monótono. Arreglos minimalistas, que luego eran intervenidos por quiebres inesperados. Esto último, permite que la voz vaya jugando con melodías desconcertantes; a ratos disonante y repetitivo; es un poco la sensación de estar en una escena de Rayuela, escuchando al hijo de Leo Masliah. Para mí, inclasificable y necesario de digerir en la casa o caminando por la calle. Así, de buenas a primera, me sumía en el letargo. Bueno tal vez, ese es el objetivo.

Las pequeñas pausas no dieron para treguas mayores. Más allá de terminar la cerveza corona de regalo que me hizo olvidar las 7 lucas, había que entregarse a las golosinas clásicas del Normandie y ver como continuaban apareciendo en escena (debo reconocer que mi memoria estaba un pelín alterada y no sé si el orden que continúa es el correcto). Bueno, Fernando Milagros era mi esperanza. Conocía un par de temas y tenía en mis antecedentes buenos comentarios. Y esperé, esperé. Encontré un par de momentos altos, pero no logró convencerme del todo. Sin duda hay oficio y una buena voz. Pero, desde mi perspectiva, falta sorpresa, las mínimas elevaciones que permitan alcanzar estados de mayor complicidad y emoción.

Con Camila Moreno, recuperamos gran parte de lo que buscábamos. No sé si es que su estilo simplemente está más cerca de mis gustos, pero aquí la irreverencia y el desenfado se equilibran de manera adecuada con una voz desgarradora y una lírica contestataria. Desde su manera de pararse en el escenario y de interactuar con el público, pasando por los cambios de intensidad vocal y el bien elegido repertorio, Moreno logra convencer. Por lo menos, queda la certeza de que germina con fuerza un torbellino creativo diverso y profundo. El entrecruce de actitudes propias de una Pj Harvey latinoamericana que se volvió loca con Violeta Parra y soñó que Tori Amos se olvidó del piano y se obsesionó con la guitarra; todo eso está en esta mujer que parece indestructible y que en su fragilidad crea la posibilidad de una esperanza, de una revancha en cada lucha individual y cotidiana.
El final arrojó conclusiones decidoras. Con un Manuel García que esbozó ciertos comentarios en torno a días difíciles (de hecho no pudo estar en la despedida de Jirafa Ardiendo) la noche comenzaba a despedirse con un show impecable. García derrochó experiencia y entrega. La capacidad para manejar distintos cuadros y atmósferas sin caer en la dispersión, es notable.

Junto con Camila Moreno, fueron los únicos a los que les pidieron un bis. García volvió en dos ocasiones. Y cuando ya no quedaba con qué cerrar, se despachó una versión de Te Recuerdo Amanda. Decisión que puede ser un comodín a esas alturas, pero que al avanzar nos va demostrando que valía la pena volver a cantarla.
Sin duda, seguirá valiendo la pena seguir apoyando este espacio. Un Festival que, si logra ser más generoso en la inclusión de cantantes emergentes, puede ir haciendo historia. Por lo menos, ya nos regala la posibilidad de escuchar estos interesantes y maravillosos trabajos en una sala plagada de memoria.

Fotos: Cristián Olea

por Ralpha Philips

Nota periodística.
El centro andaluz de Arte contemporáneo, tiene el agrado de invitarnos a unos conciertos de verano (comprendidos entre julio y agosto) que en conjunto se llama: Nocturama 09, pagando apenas 5 euros tienes acceso a ver, un miércoles o un jueves, a Cranes, Dent May, Jay-Jay Johanson, Jeremy Jay, The Wedding Present, Au Revoir Simone, Astrud, Bishop Allen, entre otros.
Otros como Deerhoof.
Su presentación se realizó el día 08 de julio. Hora programa: 22:00 – aunque comenzó unos 35 o 45 minutos después-.
Tocando casi todo su último disco Offend Maggie (2008), aunque no se dejaron algunas canciones del Apple O’ (2003), y  más de Milk Man (2004) y The Runners Four (2005), entre otros.
Con su nuevo integrante Ed Rodriguez, tocando mayoritariamente la guitarra y en algunas puntuales ocasiones el bajo. Encantaron al público desde el primer momento (de unas 250 personas para acabar el concierto, a la hora programada, con casi 400 presentes).

(Si usted sólo busca información que podría encontrar en Wikipedia, salte el siguiente apartado y sigue leyendo en Datos biográficos)

Elucubraciones.

Son casi las 22 horas cuando al aire libre las personas esperan tranquilamente con sus vasos transparentes espumeantes de cerveza mayoritariamente sentadas sobre los pastos a una temperatura que se  vuelve perfecta –luego de otro caluroso día- invitándonos a esperar a que Deerhoof se asome, en el pequeño escenario que no tiene una pizca de producción visual. Los sonidistas bostezan, tienen todo listo hace rato y sólo les queda tener paciencia y que el sueño no los venza, y como si se tratase de una broma entre ellos ponen de fondo música docta: de esa para tomar la siesta.
Entre el público, veo a varios matrimonios con sus hijos y hasta algún coche. Y es que mientras uno ve a Deerhoof se le cae la teja de que sí, es música para ponerle a nuestros hijos, es una banda, ¿cómo llamarlo?: todo espectador, tanto en su música como su puesta en escena, su energía y falta de ser políticamente incorrectos. Son unos músicos que quieren mirar a los ojos al público, que quieren que el público lo pase bien, que no hablan más por que no saben español – y eso que el baterista le pone empeño en un par de ocasiones-, que pareciera que no necesitan rebelarse a la música de sus padres y que a pesar de que son denominados como banda experimental –cosa con la que no estoy de acuerdo, porque su música que puede haberse basado en experimentación terminó siendo cuidadosamente estructurada y racionalizada, además, que todos sus discos tiene una línea estilística bastante clara-  son absolutamente clásicos para comprender la música, pero que esto no suene a peyorativo, sino a una falta de arrogancia que en este caso consigue unos resultados exquisitos (y que no se me malinterprete, que la arrogancia ha dado buenos resultados también, es sólo que en este caso la falta de ella es la que lo consigue). Tienen musicalidad, no son una banda de machotes que necesitan el virtuosismo por el virtuosismo: ese solo de batería o de guitarra tan técnico pero vacío de expresividad. Logran crear canciones de dos minutos con una estructura de 4 partes (como es el caso de Snoopy Waves) como si nada. Noto la influencia de Yes en tantas canciones, es una esencia bastante similar a la banda inglesa pero condensada en canciones de 2 a 5 minutos. Por otro lado Satomi más que darle vocalmente el toque japonés, hace que más de alguno se imagine que la banda es francesa. En ellos no hay una pizca de superestrellas del rockssss, calzan perfectamente con el nombre del sello al que pertenecen: Kill Rock Stars.

En la segunda canción se escucha el primer y único acople, el amplificación en generalmente es correcta, aunque no deslumbrante – ya había visto hace poco a la misma empresa perilleando a una banda local, con un mucho mejor resultado-.

La falta de luces o visuales no hace que se vea minimalista la presentación, sino falta de recursos, por algún lado se tiene que manifestar el precio de la entrada. Pero lo que no se consigue con dinero lo compensan bastante bien con sus juegos arriba del escenario, cada uno de los integrantes goza cada canción como si se tratase de un reencuentro: hasta por ahí hubo su coreografía loca. Satomi tiene complicidad con todos los integrantes, aunque el que le sigue más la corriente es el nuevo integrante Ed Rodriguez- que se parece muchísimo a Sergio Freire de El club de la comedia, eso sí, la versión que va a bailar un jueves al Papagayo’s, y, como si hiciera falta, decir que el otro guitarrista es como la versión post-moderna y sin depresiones de Ian Curtis, menos agraciado, eso sí.

Y así escuchamos: “Panda, Panda, Panda”, “Chatterboxes”, “Twin Killers”, “Spirit Ditties Of No Tone”, “ You Can see”, “Milk Man”, “Giga Dance”, “Rainbow Silhouette of the Milky Rain”, “Milking”, “The Tears And Music Of Love”, “Buck And Judy”, “My Purple Past”, “ Eaguru guru”, “ Jagged Fruit”, “Fresh Born”, “Basket Ball Get Your Groove Back”, “Numina O”, “Snoopy Waves”, un cover de Canned Head, “C”, “That Big Orange Sun Run Over Speed
Light”. Entre canciones que desconozco.

Los chicos tienen oficio, se notó sobretodo cuando a Ed Rodriguez le falló una pedalera justo cuando debía hacer sonar sus cuerdas después de una introducción. Naturalmente todos siguieron en loop sin dejar de divertirse, hasta que pudo hacerse sonar.

El clímax para el público fué cuando Satomi dejó a un lado su bajo y tomó una pequeña pelota de basketball con luces fosforescente y cantó: “Basket Ball Get Your Groove Back”al parecer la canción favorita del respetable. Apenas dejó su instrumento musical, se transformó en una mini gimnasta dando saltos y movimientos de brazos –como si fuera un personaje de Aralé-, para pasar a cantar sin siquiera tomar aire.

Unas canciones después, los chicos por fin se desordenan. Satomi toma la batería -tocándola como una aficionada con tempo-, el baterista pasa a ser voz y guitarra, Ed Rodríguez toma el bajo, y nuestro doble de Ian sigue con su guitarra. Todo para tocar un cover de Canned Head. –Donde se sigue confirmando mi teoría de la banda de la infancia feliz-.

Comparando los discos con la presentación:
-    La vocalista canta exactamente igual en vivo como en los discos, jamás desafina ni se queda sin aire. Y en vivo se hace más notorio su virtuosismo, destacándose cuando hace exactamente las mismas notas que la guitarra en esa octava que solo una hiper-soprano puede hacer.
-    Se echan de menos todos los arreglos que aparecen en los discos (que no sean de guitarra, bajo, batería o voz), cierta fuerza que toma el bombo como es en el caso de Fresh Born (una canción que homenajea claramente al disco Attack de Magma).
-    También se nota la falta del tecladista que no quisieron reemplazar. En canciones como “Milk man”, “Giga Dance”, por ejemplo.
-     No se hace relevante la falta de estereofonía.
-     El baterista de tan contento que estaba ya en la segunda mitad estaba flotando y bueno, eso se reflejaba en una batería que se desarmaba y se perdía, cosa que no pasó desapercibida. Aunque cayó más bien en gracia que otra cosa.

Una hora y cuarto aproximadamente, dejando al público listo para irse a dormir, después de solo una vuelta al escenario y haber tocado casi todo lo que todos queríamos escuchar. Deerhoof concluye su presentación, una sin disfraces: como lo han hecho en otras oportunidades; pero compensando todo lo visual con pura energía desbordante.

Personalmente, hasta el último minuto tuve la esperanza de que tocaran “Desapareceré”, pero quizás se les pasó el detalle de que estaban frente a un público hispano para cantar su ÚNICA CANCIÓN EN ESPAÑOL.

Datos biográficos.

El baterista actual Greg Saunier junto a Rob Fisk (quien abandonó la banda en 1999) forman a Deerhoof en 1994 en San Francisco (California). Recién dos años después se les une Satomi Matsuzaki y comienzan a sacar discos:
The Man, The King, The Girl (1997), Holdypaws (1999), Koalamagic (2000), Halfbird (2001), Reveille (2002), Apple O’ (2003), Milk man (2004), Bibidi babidi boo (2004), Green cosmos [EP] (2005), The runners four (2005), Untitled E.P. [EP] (2006), +81 [EP] (2006), Friend opportunity (2007), The perfect me [EP] (2007), Offend Maggie (2008).
Antes de la salida de Rob Fisk se les une el tecladista Kelly Goode –no encontré información clara de cuándo partió de la agrupación-. Luego Rob Fisk es reemplazado por John Dieterich –nuestro Ian Curtis postmoderno-. Formación que dura hasta el 2002, donde se les une Chris Cohen quien abandona en el 2006. Es en el 2002 donde Deerhoof toma la línea estilística clara que dura hasta el día de hoy. Un nuevo integrante se les ha unido recientemente Ed Rodriguez. Completando la configuración actual:
Satomi Matsuzaki: vocalista, bajista, por ahí toca un pito, y se encarga de los movimientos gimnásticos y de desordenar el patio.
Ed Rodriguez: mayoritariamente guitarrista para pasar a veces a tomar el bajo.
John Dieterich: guitarrista (se destaca que en esta formación no existe primera ni segunda guitarra, pueden ser protagonistas simultáneamente como hacer de segunda voz para el otro, o estereofonías visuales como sucedió en la presentación con la canción “Rainbow Silhouette of the Milky Rain”)
Greg Saunier: baterista y lo más cercano a líder de la banda.

Por Cristián Olea

Catedral en Coma, Radio Horizonte. 01/07/09
Un amigo me decía que no iba a fiestas kitsch ni tampoco aguantaba la Nueva Cumbia Chilena, ya que ambos fenómenos le parecían un rescate forzado y esnob de “la música popular” o del “recuerdo”. Y tal vez, existe un culto algo oportunista de ciertos espacios “taquillas” de lo que fue la memoria AM y de ciertos cantantes y grupos instalados en la tradición musical latina. Como también  podríamos otorgarle cierto crédito al legítimo ejercicio del recuerdo, ese que nos conecta con melodías contextualizadas en espacios específicos de nuestras vidas. Sí, la evocación individual y colectiva que la música y otras expresiones artísticas logran suscitar en el ser humano.
Lo anterior vuelve a mi memoria invernal, cuando comenzamos a subir las escaleras del Catedral el primer miércoles de julio de 2009. El programa Catedral en Coma, que Radio Horizonte sigue transmitiendo en vivo desde ya cuatro temporadas, pone sobre el escenario a los legendarios Blue Splendor.
Quedan 10 minutos para que el show comience y en medio de la gente linda que inunda el lugar más los pocos infiltrados que siguen a la banda y hacen durar eternamente el cover asignado al pago de la entrada, recuerdo la primera vez que oí de esta mítica banda porteña de rock and roll. Vienen a mí los viejos Gangas, unos tipos bonachones del sur que tenían una banda y que se paleteaban con los instrumentos y equipos en el despertar provinciano de bandas preadolescentes con nula infraestructura para hacer rock. Bajo un parrón de la casa en la que ensayaban, el que creo era su bajista, dibujaba con palabras sus antiguas anécdotas como músico y entre ellas una declaración imborrable para mí: “cuando vi a los Blue Splendor me di cuenta lo que era una buena banda de rock and roll. Estaba en primera fila pega’o viendo al guitarrista”.
Minuto 9 y puedo ver, al final de la escalera, a los 7 Blue Splendor vestidos de impecable azul eléctrico. A pesar de las canas y el rock de puerto que llevan sobre sus hombros, se percibe ese nervio y espectación previa al abordaje. La transmisión radial se activa  y los músicos, instrumento en mano, comienzan a bajar lentamente. Desde los costados: saludos, cariños, vítores; algún “viva Valpo!” y un aplauso cerrado para los protagonistas del celebrado y premiado documental.
De aquella tarde sureña en que sólo me quedé con la anécdota y el nombre, pasaron un par de años y en una vieja cassettería pillé una cinta de los mismísimos. Los Blue Splendor, una compilación del sello Star Sound. Por fin, ese nombre ahora tenía sonido. Pasó tantas veces por mi equipo y mi personal stéreo que mi una tía descubrió con sorpresa “el gusto retro” de su sobrino. Ante su devoción por la banda, terminé regalándoselo.
Ya están sobre el escenario. Las luces del Catedral acarician los bronces, la Stratocaster del canoso y carismático guitarrista (aquel que deslumbrara al guatón Gangas), también al bajista sonriente y al azul de todas sus chaquetas. Comienza la música y el sonido impecable de la banda y el lugar. Con ellos todo es un clásico. Se sucenden aquellas canciones que nunca olvidas. Más allá de si las postergas en tu lista de reproducción, vuelven a tu memoria y puedes cantarlas. El actual vocalista, que reemplazara al inigualable Rafael Palacios (el desaparecido bajo y voz de la banda), con una voz de Bingo bailable o Plato Único, va presentando cada canción que poco a poco van levantando a los asistentes de sus mesas. Pasan Hola Rosita, Verano sin Amor, Visión de Verano. Se despeinan los de la barra. Algunos famosillos intentan infructuosamente de demostrar que se saben las canciones y una misteriosa señora vestida provincia se apoya en el pasamanos y contempla como los Splendor deleitan a los treinteañeros que inundan el local.
Hacia el final, me concentro en las ventanas a las que da la espalda el joven baterista, reclutado en esta última etapa. Nos sorprenden con dos nuevos temas que acaban de grabar. Las luces de las avenidas que abrazan el Cerro Huelén (o Sta. Lucía) van completando el cuadro. Vuelven después del bis, rematan con un ya conocido medley de la Nueva Ola, intercalando algunos temas que estuvieron en el setlist. Esas avenidas ya no me parecen iguales. El frío será secundario, al sonar la última canción. Los años no pasan en vano y se nota, junto con el sudor de esta vieja leyenda de Valaparaíso que ha recorrido el mundo tocando para las colonias chilenas residentes, se percibe el oficio y la entrega.
Un aplauso cerrado y cariñoso despide a los Splendor y aquellas canciones inocentes e inofensivas de lo que podría ser la “prehistoria” del rock chileno, va quedando atrás. Una buena manera de ir consolidando una temporada más de Catedral en Coma; un registro inolvidable que podrá disfrutarse en CD en un tiempo más; un ciclo que se cierra y se abre, con los que alguna vez fueron sólo un rastro nominal en mi memoria y ahora cobran el sentido total: con presente, documental, memoria y evocación.

Después de una para de algunos meses por el embarazo de Tessie (voz y bajo), Intimate volvía a los escenarios en aquel lugar en que durante septiembre del 2008 los vimos como dúo.
Desde aquella época hasta ahora han habido cambios; el ya sabido nacimiento de Leonor (que ya sabe de escenarios antes de venir al mundo) y la inclusión de dos nuevos integrantes. Ahora con batería y teclados, lo de Intimate tal vez aparece menos íntimo que antes. Lucen todo lo rockero que son, manteniendo los guiños glam correspondientes y la base punk que inunda sus composiciones.

En medio de este espacio colmado de gente saliendo de la adolescencia, salen a escena con aquella dosis de potencia y elegancia que los caracteriza. Ya tienen una marca propia dentro de la escena local, apoyada principalmente en líneas de guitarra basadas en la concentración minimalista de arreglos originales para acompañarlos con rasgueos incansables; sumado a esto la inconfundible y carismática voz de Tessie Stranger para completar el misil melódico.

El show respondió con temas del primer disco y algunos adelantos de lo que se viene. Tal vez se notó el nerviosismo de días alejados del escenario y el debut de un nuevo tecladista. Y quizás, lo que escuchamos del nuevo trabajo no supere aún al buen puñado de singles de Life Jacket. Pero bueno, queda bastante del 2009 todavía, tal vez meses antes del siguiente album y un par de semanas para verlos de nuevo en vivo, saldando las deudas y las ganas contenidas de estar en directo tocando.

Fotos: Susana Díaz

Cámara: Cristián Olea Feres

Por Susana Díaz y Paulina Heredia.

A eso de las nueve llegamos al Normandie. Afuera del cine podíamos ver que el público estaba compuesto por lo más under de la escena experimental de Santiago.
Suponemos que todos esperaban, igual que nosotras, escuchar al legendario Damo Suzuki, ex voz de Can, banda Alemana psicodélica y experimental que marcó un alto precedente en la música, justamente por los discos en que él cantaba: Tago Mago(1971), Ege Bamyasi(1972)(con temas como  Vitamin C  Y  Spoom)  y Future Days( 1973).

El japonés cantaría esta  vez  junto a Congelador, banda que integró en sus filas a Gepe, (como segundo baterista) invitando además a Carlos Reinoso (Mostro). Altas expectativas sonoras, prometían transformar en mito la jornada.

Se abrieron las puertas. El legendario vocalista estaba parado al lado de una mesa, vendiendo sus discos como cualquier músico independiente. Sencillo y amigable, se tomaba fotos con los asistentes y firmaba autógrafos. Un amigo nos cuenta que Suzuki después de abandonar Can, se hizo testigo de jehová y le gusta recorrer el mundo, en una gira eterna, cantando con músicos experimentales. Esta revelación fue una sorpresa que cambiaba la percepción del sonido de esa noche. En ese momento ya no sabíamos si escucharíamos a una leyenda en decadencia o a un hombre que instrumentaliza su voz al servicio de la experimentación.
Desde el palco las luces azules y el sonido estremecía, un bloque frío de ruido recorría el cuerpo. Un comienzo potente pero distante. La voz nunca se detuvo. Mientras que  por otro lado los músicos locales, volcados en sus instrumentos, irrumpían demoledoramente creando un bloque de sonido disonante. Bloque que después de unos quince minutos fue tomando texturas, llegando a una armonía global.

Dentro de esta catarsis sonora se destacaba Gepe, que demuestra su  calidad como baterista, con una ejecución simplemente devastadora.  Por otro lado, Carlos Reinoso le daba un toque primitivista, golpeando el suelo  y  una lata de  película  que lograba envolvernos  visual y sonoramente.

Al final de la segunda improvisación, Suzuki se baja del escenario y abraza a casi todo la primera fila. Su vibración inundó esféricamente el lugar. Cuando regresan a tocar, la energía y la música se unían místicamente en una fuerza kinéstesica. Sonidos que provocaban movimiento e invitaban a participar al publico, quienes espontáneamente aplaudían tratando de integrarse a la jam session. En esos momentos, las cuerdas toman más protagonismo.

Al final de la última improvisación, con los asistentes aplaudiendo ya de pie y muy cerca del escenario, Gepe se acerca al público y ofrece sus baquetas a unos espectadores, quienes tímidamente se suben al escenario y comienzan a tocar la batería. Gradualmente, todos comienzan a subir, rompiendo la barrera del escenario. Un verdadera Jam, donde el público también es protagonista, entre abrazos, encuentros y sonidos, se despide el cantante nómade. Era el término de una buena noche de música que sin lugar a dudas marcará un hito en la escena experimental local.

Fotos: Paulina Heredia.