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“Solo tú”, segundo sencillo de Evelyn Cornejo editado por Sello Azul, cancióm a su hija, representa el imaginario del Maule, haciendo referencia a lugares como Mataquito, Curicó o Constitución. Un viaje intimista de Evelyn junto a su hija por las vías del mítico Ramal Talca-Constitución.
Sello Azul
produce Corteirracional.
dirigido por Efraín Robles.
Dirección de arte Susana Díaz.
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“La Monine”, es Karenn González, cantante y compositora quien desarrolla la canción experimental, incorporando Theremín y Kaoss Pad y su voz. Nacida en Curicó, desde el año 2007 que viene creando a La Monine, este mágico personaje que interpreta sus canciones.
“Sangremía” es el nombre de su último trabajo, lanzado en abril del 2011.
A través de su música, su voz y su puesta en escena pretende sublimar al espectador, entregándole un instante mágico, creando una atmósfera íntima llena de sensaciones comunes y desconocidas.
Conoce más sobre “la Monine” aqui link de descarga a su música.
reseñas
Desde películas animadas a un megadocumental de casi cuatro horas. Desde una heroína sudafricana del canto y los derechos civiles a los días más perdidos y creativos de David Bowie (Cracked Actor). Además, un taller de cuatro horas de duración para profundizar en cine y rock. El fin de semana de cierre de IN-EDIT NESCAFÉprepara una programación diversa e interesante, en la que todo fanático del cine y la música encontrará un espacio.
La Competencia Nacional concluye con la exhibición del sexto documental en competencia, Un día con Tortoise, mientras la Competencia Internacional reserva nuevas exhibiciones para cuatro de sus más comentados estrenos: Mama Africa, sobre Miriam Makeba; Cure for pain. The Mark Sandman story, sobre el fallecido líder de Morphine; el triángulo creativo y afectivo entre David Bowie, Lou Reed e Iggy Pop (The sacred triangle); y la larga investigación de Martin Scorsese sobre George Harrison en Living in the material world.
Para la familia completa está pensada la muestra de animación de sábado y domingo. Sita sings the blues es una película colorida y estimulante, que combina jazz antiguo con una historia de amor y tradición milenaria hindú. En tanto, Chico y Rita es una de las películas estelares de este año para nuestro festival. Una realización de dos gigantes del arte español contemporáneo, el cineasta Fernando Trueba y el ilustrador Javier Mariscal, a disposición de la música de Bebo Valdés para recrear la fascinante escena musical cubana de hace siete décadas. La película fue recientemente premiada por la Academia de Cine Europeo como mejor film de animación y es la apuesta española para la carrera de los Oscar.
Los interesados en aprender más sobre la historia del rockumental como género cinematográfico se reunirán la mañana del sábado en el taller «El rock en el cine II», en encuentro organizado por lafuga.cl a cargo de tres académicos expertos.
IN-EDIT NESCAFÉ continúa todo el fin de semana con funciones exclusivamente en el Teatro NESCAFÉ de las Artes, y prepara el anuncio de los ganadores para las 21 horas del domingo 18, previamente a la exhibición deQueen. Days of our lives.
IN-EDIT NESCAFÉ, música para tus ojos.
Más información:
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En la década de los noventa, el Hardcore avanza en chile como un movimiento fuerte, que rechaza las consignas del punk precedente y genera una red social de apoyo y trabajo antisistema a través de la lógica del “hazlo tu mismo”. Este documental reconstruye retrospectivamente una escena a través de sus protagonistas-bandas como Disturbio Menor, Silencio Absoluto y Donfango, quienes relatan cómo el tiempo cambió su radicalidad ideológica y estableció su legado generacional.
más info en In Edit
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Por Marcela Valdés.
Tres películas disímiles presentan un enfoque pre-apocalíptico: en la intensa mente palpitante del vocalista de Joy Division en Control de Anton Corbijn, en el ambiente sociopolítico de Werckmeister Harmonies de Bela Tarr, donde se agita de manera paulatina e inesperada una violenta crisis sin sentido y silenciosa, y en American Astronaut de Cory McAbee, tras la amenaza de un inminente asesino en el cosmos. Son tres películas de la década del 2000 filmadas en blanco y negro, con una impecable y evocadora fotografía, que seducen e impactan por su contenido y original propuesta, y también, hipnotizan.
Estos filmes son producto de la conjunción alucinante y vertiginosa entre imagen y sonido. La potencia resultante de ambas narraciones entrelazadas genera intensas emociones capaces de contraer los músculos, y aquello que llamamos alma.
Solitarios andantes
“Quiero que en la pantalla se vean hombre verdaderos”, afirma Bela Tarr. Los protagonistas de las obras mencionadas son seres únicos cuya lucidez se refleja en su andar, en sus ojos abiertos, en su singular personalidad que atañe misterio. Son hombres solitarios que viven al margen de la contingencia, unos más que otros, dependiendo de cuál sea la situación socio-política que habitan: manifestaciones, industrialización, o viajes siderales.
En Werckmeister Harmonies, la voz en off del Príncipe exclama: “Construcción en toda ruina/ es la emoción de destruir, implacable, mortal / No encontramos la causa de nuestro odio y desesperación/ así que nos abalanzamos sobre todo con salvaje furia”. Esta afirmación revela lo que está sucediendo, lo que sería el trasfondo de la historia: una violencia sin causa explícita que se exaspera en la plaza donde se encuentra la atracción del circo que ha llegado a la ciudad, una ballena. Aunque muerta parece más viva que todo personaje, con su grandioso ojo abierto al mundo este extraño mamífero es testigo, como Valuska, de los levantamientos populares, y ambos no puede-n sino permanecer inmóvil-es. De diferente modo, las palabras del Príncipe también se aplican en Control: para Ian Curtis, vocalista de Joy Division, la causa de su desesperación, dolor y enfermedad será un caos interior antes que una razón para el espectador explicable. Lo que sucede es la inversa de la teoría fractal del ‘Orden del caos’: desordenar aquel orden impostado y volverlo confuso e incoherente, de manera consciente o inconscientemente.
Por otro lado, el astronauta Samuel Curtis viaja en su nave-hogar por “un mundo sin gravedad donde los músculos se adormecen y se consumen”. En la primera parte del filme se presenta como un hombre frío y también denso y luego, al tener a un ‘niño’ como acompañante de viaje, se nota una alegría y motivación incomparables. No hay que olvidar que los viajeros, no así los turistas, son hombres solitarios.
Los protagonistas de estos filmes transcurren tras unas vías de frío y alejamiento del mundo; y así “mueren”, aunque por momentos hayan evitado su condición marginal. Esta definición puede aplicarse a sus personas: “El hombre no es una bestia de carga, es también una bestia de reflexión, de placer, de voluptuosidad, de meditación, de atonía, de olvido, de despertar”[1]. Por ejemplo, a pesar de su agudeza, Janos Valuzka, -personaje principal de Werckmeister Harmonies-, es poseedor de la poderosa curiosidad e ingenuidad infantil y en esto, surge un desconcierto ante el terrorismo que comienza a avasallar su ciudad en Hungría, situación que es tan opuesta a su cotidianeidad tranquila y circular.
“La vida es trágica, pedimos que no sea aburrida”[2]. En referencia al biopic de Joy Division, este muestra el arranque de la banda, las pasiones, compromisos y devastaciones mentales y pasionales de Ian Curtis, hasta su muerte. En esta narración cinematográfica sorprende que, rompiendo presuposiciones, la caída de Ian no se retrate de manera explícita; las adicciones y trastornos no son evidentes, sino que el mero rostro es capaz de transmitir la acelerada balanza de la inestabilidad entre control y des-control.
Bela Tarr afirma que “todo es mucho más grande. El ser humano es sólo una pequeña parte del cosmos”, lo cual se visualiza, de manera extraordinaria, en la imagen de Valuzka con su mirada absorbente y sin pestañear frente al inmenso ojo de la ballena, abierto, muerto; también, en la historia de Samuel Curtis quien como un átomo humano viaja en la inmensidad del espacio. Otro ejemplo son las tomas en que estos hombres caminan solos: el astronauta desafiando la gravedad ante una oscuridad poderosa avanzando hacia el bar Ceres, los mágicos planos en que Valuska camina de noche respirando el aire frío en una soledad absoluta, o Ian Curtis en las calles de la ciudad, literalmente con el escrito de su chaqueta “Hate”, o en su pieza frente al espejo maquillándose, sobre su cama, etc; sentimientos de aislamiento que se reflejan también en su música.
Valuska, desde la primera escena, determina un encantamiento con el cosmos y con los cuerpos que bailan en él, “(…) un espacio que era a la vez exterior como interior, inimaginable y a veces desolado, vasto y extraño, y sin embargo también íntimo, de retraimiento del hogar, como un útero”[3]. El cosmos como una zona de expansión infinita también se expone en American Astronaut, primero, de manera científica, luego incluso, con pinturas.
Tras los ritmos de botellas.
El tema The Edge of the World de Faith No More comienza con el choque de vasos de cristal o vidrio, y voces de conversaciones de bar. Al margen del mundo está Ian Curtis en su depresión, Samuel Curtis viajando entre planetas, un bar y un granero, y Janos Valuska ante la inmensidad de una ballena disecada.
En esto, la imagen de un bar como un espacio de múltiples narraciones en donde música e imagen se yuxtaponen, se manifiesta en los tres filmes. Los bares, nocturnos en su mayoría aunque también los hay diurnos, son objeto de emociones y convulsionan un efecto efímero liberador de angustias. El cine se ha encargado de descubrir, registrar, ambientar, producir, y agitar un lugar que para el ser humano como ente a la vez solitario y social es esencial, que para algunos adquiere carácter de santuario y para otros es trivial. Hay infinitos ejemplos de bares con formas estéticas y sociológicas propias, tanto en la vida real como en el cine, como el tipo fuente de soda que aparece en Sed de Mal de Orson Wells. En las películas aparecen de toda clase: bares de hoteles (El Resplandor, por ejemplo), aquellos comunes con mesas de pool (ej. Vivir su vida, Transpoitting), e incluso los que nacen de la mente fermentada del propio ‘autor’, como el bar Voloko (Naranja Mecánica) o la Cantina de la primera película de Starwars, entre tantos, tantos otros.
Hay características de estos reconocidos, conocidos, extraños o clandestinos espacios que son fundamentales, y en su mayoría indispensables. Entre ellas la barra, el barman, la evolución del asistente a la ebriedad, un ocasional escenario (piso, mesa o idealmente tarima), baño y una puerta de salida. Y música, que nunca falta: si no es de disco ni de instrumentos, en vivo las voces y el sonido de los cristales arman una melodía inevitable, a veces tenue, a veces tan intensa que nada más puede oírse.
Energía en movimiento.
La música de estas tres películas es imprescindible, tiene un valor no sólo en si misma sino también en su relación con la imagen, cuya combinación “(…) tiene un efecto de ‘interpotenciamiento’, por usar el término farmacológico para cuando dos drogas hacen sinergia y se fortalecen”[4]
Las tres películas puestas en análisis presentan “(…) una forma libre de danza que se corresponde con ‘la búsqueda de la forma que sigue al caos’”. La creatividad desborda, en estos casos, de maneras distintas: en Bela Tarr, la primera escena invoca un sistema solar danzante en el cual los personajes, sin decir palabra, giran. Giran y giran al igual que la cámara, un baile que representa, como un rito tribal, la manera en que se produce un eclipse ante la Tierra anunciando, intertextual e inconscientemente, el periodo de oscurecimiento ante la violencia inesperada que se aproxima en la ciudad.
En Control, la danza es sinónimo de Ian Curtis. La película reproduce fiel esa suerte de movimiento convulsivo, atónito, indescifrable; “(…) música para volarte la cabeza y proveer un sonido activador de danza”[5]. El ritmo de los movimientos inesperados del vocalista de Joy Division contrastan con la acabada fotografía, envolviendo al espectador, absorto por la música, en un baile interior y problemático que termina en suicidio.
American Astronaut, por su parte, sube los watts del amplificador de la banda sonora conjugando escenas que podrían ser parte de un musical, como la del mensaje que dos hombres le dan en el baño a Samuel Curtis por medio de una canción –‘Hey Boy’- y de un baile con ciertos pasos que después taladran como marcha en la escena, también musical del “muchacho que realmente vio el seno de una mujer”, o música en vivo como la banda que moviliza el concurso de baila en el bar de Ceres. Otra forma de danza, realmente impactante, es la que el misántropo asesino realiza en Júpiter al bajarse de la tarima, frente a los montones de tierra-cenizas que son los muertos a los que él patea al ritmo de la música, bajo una iluminación psicodélica como fractales de ácido que se desvanecen, que remiten a los backgrounds visuales de la primera era de Pink Floyd. Nietzsche dice que “hay que tener un caos en uno mismo para dar a luz una estrella que baila”[6], y en esta danza en la cual el polvo que quedó de hombres que se mostraron rudos se desparrama intensamente en el aire de un galpón cerrado, el asesino parece enloquecer.
Sonidos fuertes, escandalosos y otras formas de embriaguez.
“Seré duro contigo” grita un niño al ventilador, mientras otro salta en la cama: ruidos que sucumben en la música irónicamente militante que proviene del fondo. “El ruido como efecto de realidad”[7] se entiende también en la primera marcha sin música instrumental, con el sonido de los pasos rítmicos enardecidos en su interior, los rostros sin habla y con cierto delirio sin pensamiento, y decisiones de destrucción. Siguiendo entonces sin cortes este crucial plano secuencia de W. Harmonies, se expone la contraparte: después de la dura imagen del anciano desnudo en el hospital, después del saqueo, de los golpes trituradores de cortezas, acciones que despellejan la resistencia humana filmada con una cámara tranquila, sigilosa, con un silencio fúnebre para escuchar la Violencia en el hospital, violencia de golpes mudos y de estruendos al caer los objetos y quebrarse, después de todo aquello, al salir los hombres avanzan quietos, la música del compositor Mihály Vig encandila la visión frente a la acción que acababa de acontecer, avanzan con pasos lentos, con pesadumbre, siguen sin habla y ahora también sin objetivo, y con cierta desesperanza. En esto, las melodías compuestas previa y especialmente para esta película, son “un verdadero flujo de música en el que se ahogan las pesadumbres y las ansiedades de la espera”[8]. Se sintoniza una asfixia liquida que penetra con dolor y que en otras escenas es “gozosamente desconcertante”.
En referencia a la conexión entre imagen y música (incluyendo la suma de sonidos espaciales y de bares, entre otros) de American Astronaut, caben los análisis de Nietzsche quien “(…) celebra su poder dionisiaco, su capacidad para intoxicar y estremecer, producir frenesí, una suerte de exceso trágico de vitalidad, a pesar de que también establezca que la música, en su versión más acabada, sintetiza esta energía con las cualidades apolíneas del orden, la estructura y la forma”[9]. Desde los créditos, por ejemplo, la música y los cortes de la cámara, abruptos como el movimiento de la nave espacial en la cual el propio director se encuentra interpretando a Samuel Curtis, son ritmos de una efervescente fuerza energética que resuena continuamente en la película. American Astronaut posee también sonidos que estremecen, como aquella suerte de frecuencia electromagnética similar al resultado de ‘acoplo’ –efecto de la interferencia generada al acercar un instrumento eléctrico a su amplificador-, en la escena después del asesinato que el profesor Hess realiza en el baño, cuando éste yace en el suelo acariciando la tierra-cenizas del muerto y susurrándole algo indescifrable. Cory McAbee añade, además, secuencias musicales, es decir, canciones que aportan al guión y por ende a la historia, como en la inigualable escena del baño.
Ian Curtis, sobre el escenario y afirmando al bailar que la música no sólo se oye por el oído, sino también con el cuerpo, estalla brutalmente en una hidratación punzante evidenciada en los P.P de su rostro fascinado y a la vez perdido. En esto, la película expresa de manera intensa que su música “es tan serena como caótica, tan íntima como impersonal, tan sedante como extremadamente absorbente”[10].
Cierre.
“Cuando se es uno con el cosmos, el clima es ‘sólo un estado de la mente’”[11]. Cada una de estas tres películas es una caja de resonancia antes inédita, hoy única e imposible de afinar. Hay una constante en estas obras: la relación del protagonista con el cosmos, sea mediante una suerte de fábula y fascinante imaginación (W. Harmonies), sea el mundo que se encuentra dentro del organismo (Control), o sea el universo que los viajeros espaciales han visto o recorrido (American Astronaut). En todas existe, también, el caos que es propio del ser humano y que se manifiesta de diferentes maneras, tejido a su vez con energía y con ciertas dosis de armonía. Y, para terminar con los tres filmes mencionados, al involucrarse con tal intensidad desbordante, la imagen con “(…) la música tienen la capacidad de inspirar un arrebato místico, una sensación de estar aquí–y–ahora que nos diluye hacia una expansión infinita” [12]
[1] Maffesoli, Michel. El instante eterno. El retorno de lo trágico en las sociedades posmodernas. Buenos Aires: Editorial Paidós, 2001, pág. 94 citando a L. Daudet.
[2] Maffesoli, Michel. El instante eterno. El retorno de lo trágico en las sociedades posmodernas. Buenos Aires: Editorial Paidós, 2001, pág. 79 citando a Jacques Chardonne Le Ciel dans la fenetre
[3] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 101
[4] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 11
[5] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág 103.
[6] Maffesoli, Michel. El instante eterno. El retorno de lo trágico en las sociedades posmodernas. Buenos Aires: Editorial Paidós, 2001, pág. 94 citando a Nietzsche
[7] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 135
[8] Phillipe Brenot. El genio y la locura. Barcelona. Editorial: SineQuaNon. 1998, pág. 150
[9] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 223
[10] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 10
[11] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 89
[12] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 105
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Aquí un adelanto del nuevo disco de Moreno grabado con Pablo Giadach (the Ganjas ) y que veria la luz antes de fin de año.
“Humano Pequeño” fue el 5º disco oficial de Moreno, el proyecto musical de Giancarlo Landini, y el único completamente instrumental hasta el momento (http://soundcloud.com/morenoysuonda/sets/moreno/). Un disco que fue más bien un paréntesis en lo que ha hecho Moreno hasta ahora, un espacio más conceptual e íntimo que crea una pausa entre su anterior disco “Polaroids” y su próximo trabajo, el cual hace muy poco grabó con su banda LA MAFIA CANYENGUE, bajo la producción de Pablo Giadach (The Ganjas) .
Este nuevo disco es el primer disco en el cual MORENO entra a estudio, para registrar 10 nuevos temas en una formato mas rock. El lenguaje y la escéncia en su mundo se mantienen, sólo buscan distintas maneras de manifestarse, en un nuevo disco, nuevas melodías y un nuevo mundo MORENO.Les adelantamos dos canciones de los nuevos sonidos de Moreno.
http://soundcloud.com/morenopichilemu/sets/moreno-adelanto-nuevo-disco
PARTICIPARÁN UN GRUPO DE DESTACADOS MÚSICOS, ARTÍSTAS Y CINEASTAS QUE PRENDERÁN LA NOCHE, LOS HARÁN BAILAR Y GOZAR OCUPANDO TODOS LOS SENTIDOS….
NUESTRA PROGRAMACIÓN PARA ESA NOCHE:
23:00 DJ RODOLFO GARCÍA
EXHIBICIÓN Y PREMIACIÓN A LA PELÍCULA MAS POPULAR DE SANFRIK
00:00 ODESSA
01:30 DUO RAZZANO
2:00 RADIO PIRATA-Live set , Remixes de cumbias, porros y gaitas en vivo (+ otros músicos invitados)
3:00 SUB PORNO (PERFORMANCE)
3:15 AFROBEAT & TRIBAL DJ JONAS ACID
ADHESIÓN:
$1.500 ANTES DE LAS 12
$2.000 DESPUES DE LAS 12 CON 1 MINUTO…
COPETES A MODICOS PRECIOS
DIRECCIÓN DE ESPACIO Z: SANTA ELENA # 770, SANTIAGO. METRO IRARRAZABAL.
VIERNES 2 DE SEPTIEMBRE DEL 2011 DESDE LAS 23 HRS
ESTA ES LA UNICA ACTIVIDAD QUE SANFRIK COBRARÁ POR LA ENTRADA Y DEBEMOS HACERLO PARA PAGAR EL PARTE QUE LA POLICÍA NOS SACO EN LA INAUGURACIÓN DEL FEST EN LA FAU, ADEMAS QUEDAMOS ENDEUDADOS, PERO FELICES….ESPERAMOS SEGUIR CONTANDO CON SU APOYO SANFRIKIANO!!!
MIL GRACIAS
FESTIVAL DE CONTRACINE NACIONAL “SANFRIK” 2011.
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EL TALLER ES CON CUPOS ILIMITADOS A REALIZARSE DESDE EL 26 AL 28 DE AGOSTO EN SANFRIK, SEDE FAU-MARCOLETA 250, SANTIAGO
- Cronograma: Día 26: Lab /// Día 27: Lab /// Día 28: Lab y Performance de Live Cinema Kynemas Fluxuz!
1- Lab TranZmidia
2- Performance Live Cinema – Kynemas Fluxuz
Mezcla en vivo del Material creado colectivamente
Lab TranZmidias Live Arte
Pedro Rocha nos cuenta la propuesta de Lab “es realizar un encuentro experimental de Arte y Tecnologías entre artistas esperando crear una red de Live Arte en la internet conectando Santiago – Sao Paulo y otras partes del mundo. La idea es partir de una serie de micro films de nosotros y los participantes mezclar imágenes de paisajes y temas de las dos ciudades”.
*Habrá un grupo de artistas brasileños participando simultáneamente de las actividades en las clases de laboratorio.
Primer Lab:
1-Presentación de la Propuesta
2- Conceptos
3- Creación de un Guión de Transmidia.
Conceptos: Transmidias – Ciber Cultura – Redes y Colaboracionismo – Arte Electrónica – Banco de Dados y Recombinación
Guión Transmidia: Plataforma Virtual / Creación de Redes Sociales
Segundo Lab:
1- Producción de Micro Filmes y Musicales
2- Rodaje
3- Actualización y difusión en la red
Tercer Lab:
1- Producción de Micro Filmes y Musicales
2- Rodaje
3- Actualización y difusión en la red
4- Finalización y Mezcla en vivo del Material creado colectivamente
Material para los participantes: Si quieren sus computadoras, celulares, cámaras y trabajo para ser compartidos
ESTE TALLER ES CON CUPOS ILIMITADOS, ASI QUE DEBES ASISTIR DESDE EL 26 EN LA FAU. SANFRIK NO NECESITA QUE TE INSCRIBAS, SOLO QUE PARTICIPES, YA QUE SABEMOS QUE LOS VERDADEROS INTERESADOS ESTARÁN AHÍ DESDE LA FECHA ACORDADA.
SANFRIK NO APOYA LA BUROCRACIA, NI EL MECANISMO DE INSCRIPCIÓN Y PITUTOS, ASI QUE APROVECHA ESTA OPORTUNIDAD DE PARTICIPAR SIN COSTO ALGUNO EN UNA LAB MULTICULTURAL.
mas info en
http://tranzmidias.com.br/afactory/archives/189
BETTER THAN SOMETHING ( Alex Hammond/ Estados Unidos/ 2011/89min)
Lo que originalmente iba a ser un cortometraje documental llamado Waiting for Something, tomó un abrupto giro luego del repentino fallecimiento de su protagonista, James Lee Lindsay Jr., más conocido como Jay Reatard. El controvertido músico se convirtió en un referente del rock garage y de la escena punk de Tennessee y el medio-este norteamericano; dejó decenas de discos y recorrió el país en sus giras con nueve bandas distintas. En enero de 2010, fue encontrado muerto a causa de la mala mezcla de cocaína y alcohol. Tenía 29 años. Los directores Hammond y Markiewicz ya estaban montando su cortometraje cuando se enteraron de la noticia, e inmediatamente volvieron a Memphis para grabar el ambiente tras la muerte del músico. Incluyendo entrevistas y material de archivo, este documental recorre la vida de Jay Reatard desde su infancia, pasando por su prolífica carrera y, por supuesto, los momentos posteriores a su desaparición, ya convertido en ícono del rock.
Hoyts La Reina, Sala 14
Miércoles, 24 de Agosto de 2011 | 18:30
Sábado, 27 de Agosto de 2011 | 19:30
BENDA BILILI! ( Renaud Barret , Florent de la Tullaye Francia- República democratica del Congo 2010)
Ricky Lickabu tenía un sueño: hacer de Staff Benda Bilili la mejor banda de Kinshasa, la capital de la República Democrática del Congo; y nada lo detendría, ni siquiera que él y los otros integrantes del grupo no tuvieran casa y fueran parapléjicos. Por su parte, Roger, un adolescente criado en la calle, sólo quería unírseles y aprovechar sus innatas habilidades musicales, ya que incluso había fabricado su propio instrumento, el satongé, una guitarra de una cuerda hecha en un tarro de lata. Estrenado mundialmente inaugurando la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes 2010, este documental es la crónica de cómo en una de las ciudades más heridas de África, ese sueño se hizo realidad: siguiendo a los músicos durante cinco años, desde los primeros ensayos a su triunfo en escenarios internacionales, la película es la mejor confirmación de lo que en lingala, lengua oficial de su país, significa Benda Bilili: “más allá de las apariencias”.
Hoyts Parque Arauco, Sala 4
Miércoles, 24 de Agosto de 2011 | 22:30
Jueves, 25 de Agosto de 2011 | 22:30
NEUKOELLN UNLIMITED Agostino Imondi, Dietmar Ratsch Alemania 2010 96 m)
Estrenado el año pasado en la Berlinale y exhibido en festivales como Bafici, este documental está filmado en el distrito berlinés de Neukölln. Allí, Hassan, de 18 años, y sus hermanos Lial, de 19, y Maradona, de 14, luchan por conseguir el permiso de residencia para su familia; nacidos en Alemania, los tres viven con su madre desde que sus padres se separaron, y además sus vidas se vieron afectadas por la expulsión de la familia al Líbano, el país de sus raíces, en 2003, aunque después regresaron a Berlín. Desde entonces, son “tolerados” oficialmente, pero sólo tienen un permiso de residencia temporal que deben renovar constantemente. Viven con el miedo a ser deportados y expulsados del lugar que consideran su patria, e inevitablemente esta presión crea problemas; si no fuera por el rap y el breakdance, y su talento y pasión por la cultura juvenil, sus posibilidades de éxito serían casi inexistentes.
BF Huerfanos, Sala 2
Jueves, 25 de Agosto de 2011 | 19:00
Viernes, 26 de Agosto de 2011 | 21:30
Sábado, 27 de Agosto de 2011 | 21:30
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