Carlos Rodríguez

No resulta casual que Jim Jarmusch utilice la conocida melodía de “El mago de Oz”[1] titulada “Over the raibow” como parte del chiste sobre el efecto doppler en “Permanent vacation”, sino que contiene una intencionalidad que se remarca al final del film cuando el barco en que viaja Allie se aleja de Nueva York. ¿Por qué utilizar la melodía de una película que se fundamenta en el retorno al hogar, repetición del argumento homérico de la Odisea? Simplemente porque forma parte de la contradicción de los personajes de Jarmusch en “Permanent vacation” y por extensión en “Stranger than paradise”. Todos quieren viajar, todos quieren irse del lugar en donde se encuentran pero sus viajes, sus “vacaciones” son siempre retorno, son un desplazamiento sin movimiento que el director nos reafirma con sus planos fijos, su estilo estático de la cámara[2], incluso con el uso de un travelling que avanza hacia ningún sitio. No nos engañemos, mientras todos sus personajes quieren viajar, Jim Jarmusch los encierra en un no viaje.

Sólo voy a restringir el presente análisis a los dos primeros filmes de Jarmusch[3], sin que por esto no podamos pensar encontrar estos elementos en sus películas posteriores. Revisemos primero el final de “Permanent…” y el comienzo de “Stranger…”. En el filme de 1980, Allie parte en un barco rumbo a París, el comienzo de su viaje y el final del film nos muestra la isla de Manhattan quedando al fondo de la imagen mientras observamos la estela que el barco deja en el mar. No vemos el horizonte como una búsqueda que comienza para el personaje. Esta imagen, supuestamente la mirada subjetiva de Allie, se asemeja más al deseo de no olvidar lo que se deja y queda grabada en nuestra mente como una imagen fija gracias al encuadre también fijo en que Jarmusch parece abandonar la cámara sobre cubierta. Manhattan no desaparece, se queda pegado como una postal, no nos vamos, nuestra mente junto con la de Allie no logra despedirse. Por otra parte, el comienzo de “Stranger…” nos muestra a Eva en un sitio eriazo, con sus maletas, mirando los aviones que circulan en el aeropuerto. En ese instante imaginamos que ella va a abordar o ha descendido de uno de esos aviones, pero eso sólo podemos comprenderlo cuando su primo Willie habla en la escena siguiente con su tía Lotte sobre Eva llegando de Budapest. ¿Por qué Eva no está en el edificio del aeropuerto sino que en medio de la nada? Eva está comenzando a vivir el sueño americano, un sueño que no existe, la contradicción del exitismo norteamericano que se propaga a los otros continentes y atrae a los inmigrantes en un viaje que no resulta como se pensó, a menos que se siga soñando y aceptando lo ficticio[4]. Eva no llega de un viaje, Eva aparece de pronto en el aeropuerto, pero no en el aeropuerto real, sino en el lugar en que Jarmusch desea que aparezca para que cumpla su sueño americano: en la periferia.

Cuando Jim Jarmusch utiliza el travelling paralelo en ambas películas nos hace acompañar como espectadores al personaje, ya sea Allie o Eva, a quienes ubica en el centro del cuadro. El desplazamiento en ambos casos se parece más a una figura que está superpuesta sobre un decorado de fondo que se mueve para dar la sensación que el personaje recorre una distancia, como el truco utilizado en el teatro con un bastidor móvil que sostiene un telón pintado que se desplazaba mecánicamente detrás de los actores cambiando el paisaje pintado en él[5]. Mientras que Allie en “Permanent…” camina mirando edificios en ruinas y habitantes pobres del llamado bajo Manhattan[6], este entorno confirma por una parte su estilo de vida (Jarmusch nos lo aclara: “He is a drifter”[7] –persona sin rumbo, sin ocupación fija); y por otra su propio hogar destruido (su padre inexistente y su madre en un hospital psiquiátrico), todo esto complementado por una música extradiegética parecida al sonido de unas campanas discordantes mezcladas con un saxo[8] (instrumento que en una escena posterior detendrá a Allie en la calle y que se utiliza también para la melodía final del film). Este escenario no es el reflejo de una sociedad que se declara exitosa como la norteamericana, y es muy similar a las calles por las cuales camina Eva en “Stranger…” mientras se produce el mismo travelling en la misma dirección dentro del cuadro. Ella camina descubriendo el “Nuevo Mundo” (“The New World” subtítulo de la primera parte de la película), escuchando “I put a spell on you” (ver nota 4), y cruzando frente a un significativo y extrañamente autorreferente grafiti en el que se lee: “U.S. out of everywhere yankee go home” (EE.UU. fuera de donde sea yankee vete a casa). Además si consideramos que el film se encuentra estructurado en escenas compuestas de una única toma sin cortes y divididas entre ellas por un cuadro en negro no fundido; podemos inferir que el travelling que acompaña a Eva comienza un desplazamiento que se ve interrumpido por esta pausa en negro, un movimiento del personaje dentro de este espacio que parece no tener destino, esto último sin considerar que en las escenas siguientes ella llegará al departamento de su primo Willie[9].

Por último revisemos la escena de “Permanent…” en que Allie duerme en la azotea de un edificio, y a lo lejos se aprecia el paisaje matutino de Manhattan. Ese es nuevamente el referente del éxito en Estados Unidos, escenario del cual el personaje permanece alejado e incluso separado por el muro de la azotea que divide el encuadre en dos mientras un plano fijo característico de Jarmusch detiene y atrapa el tiempo-espacio del personaje. Desde este espacio al cual ha sido restringido verá su propio sueño americano abajo en la calle: un automóvil clásico de los años cincuenta que aparece como una ilusión esperándolo estacionado. Allie termina dando vueltas y girando sobre un mismo punto sin avanzar en la azotea e incluso la cámara gira también alrededor de él como encerrándolo en un primer plano giratorio de su rostro. Nuevamente la misma música que mencionaba anteriormente (ver nota 8) complementa la escena en que el personaje gira sin sentido y su desplazamiento queda anulado. Por otra parte, si consideramos algunas secuencias de “Stranger…”: Primero Willie y Eddie han viajado a Cleveland para visitar a Eva, y sobre las líneas del ferrocarril que se alejan en perspectiva y en medio de un paisaje nevado Eddie dice: “Es gracioso, vienes a un lugar diferente pero se ve todo igual”. La escena es un plano fijo. Segundo, Eva lleva a Eddie y a Willie a conocer el lago Erie que se encuentra congelado, cuando están allí mirando hacia un horizonte blanco que no muestra nada, Eva dice: “La verdad es un poco aburrido acá”. La escena es un plano fijo. Y tercero los mismos tres personajes caminando a la orilla de la playa en La Florida, Willie está enojado con Eddie porque han perdido dinero en las apuestas y Eva momentos antes en el motel en que se hospedan les ha dicho: “Pensé que nos íbamos a Miami. Este lugar no existe”. Con una playa en perspectiva la escena es un plano fijo. Una y otra vez Jim Jarmusch deja que sus personajes tengan la ilusión de desplazarse de un sitio a otro, pero finalmente los ubica en lugares que restringirán su movimiento físico y mental (el lago, la playa, la desilusión de Eva, la frustración de Eddie).

El viaje simboliza una aventura y una búsqueda. Los personajes de estas dos películas de Jarmusch expresan abiertamente sus deseos de viajar a diferentes lugares, algo los motiva a estar en movimiento, pero inevitablemente a pesar de sus desplazamientos quedan atrapados dentro de un cuadro que los encierra en una imagen fotográfica. Sus viajes se interrumpen de una u otra manera, incluso podemos llegar a imaginar a Willie en “Stranger…” despertando en Budapest de su sueño del viaje americano, y diciendo como si fuera Allie al final de “Permanent…”: “Ahora que estoy fuera, me gustaría estar allí, mucho más que cuando estaba allí”.

[1] “The Wizard of Oz” (1939, Victor Fleming). La canción “Over the rainbow” fue compuesta por E.Y. Harburg (letra) y Harold Arlen (música), e interpretada por la actriz Judy Garland.

[2] “He encontrado la necesidad de utilizar un estilo de cámara que es muy estático, como en las películas japonesas, donde la cámara a menudo tiene menos movimiento […]. Y si la cámara se mueve a pesar de todo, esto es siempre muy calmadamente, nunca con movimientos violentos. Los cortes no son nunca muy rápidos, son graduales y pensados. Este es un estilo de cámara contemplativo. Los espectadores deberían observar a los personajes y los escenarios y no tener mucho conocimiento de la existencia de la cámara” (Jim Jarmusch) (“Gespräche mit Jim Jarmusch” Ralph Eue, Wolfgang Stukenbrock en Filmkritik, vol.25:10, N°298, octubre 1981, pp.453-60. En: “Jim Jarmusch interviews” ed. Ludvig Hertzberg, University Press of Mississippi, 2001).

[3] En ellos Jim Jarmusch ha realizado varios roles aparte de dirigir también se encarga de la edición, producción, composición musical y la escritura del guión.

[4] Por esta razón ella escucha una y otra vez la letra de la canción “I put a spell on you” de Screaming’ Jay Hawkins (1956) y que en este contexto es Estados Unidos gritándole a Eva: “Te he hechizado porque eres mía, deja de hacer lo que haces, te digo ¡ten cuidado!, no te miento”.

[5] La escenografía o pintura de escena tiene sus raíces en el teatro griego. Los griegos usaron el periacto, artificio especial que empleaban en sus teatros para cambiar decoraciones. Este artefacto es el origen de los bastidores, usados por primera vez en 1620, en el teatro Farnesio de Parma (Italia). El bastidor es un armazón de listones sobre el cual se aplica un lienzo o papel y se utiliza pintándolo sobre las dos caras: cada una corresponde al paisaje o arquitectura que debe representar el escenario.

[6] La locación en que se filmó “Permanent vacation” corresponde al barrio TriBeCa de Nueva York, ubicado en el bajo Manhattan (Lower Manhattan). Originalmente un barrio industrial su nombre proviene de la sigla Tri (Triangle), Be (Below), Ca (Canal).

[7] “Gespräche mit Jim Jarmusch” Ralph Eue, Wolfgang Stukenbrock en Filmkritik, vol.25:10, N°298, octubre 1981, pp.453-60. En: “Jim Jarmusch interviews” ed. Ludvig Hertzberg, University Press of Mississippi, 2001.

[8] “He elegido la música Gamelan de Java la cual es más lenta que la de Bali; la he hecho más lenta incluso en la grabación y reelaborado con un pequeño bit electrónico, he añadido algunos ecos y filtrado ciertas frecuencias en algunas partes” (Jim Jarmusch) (“Gespräche mit Jim Jarmusch” Ralph Eue, Wolfgang Stukenbrock en Filmkritik, vol.25:10, N°298, octubre 1981, pp.453-60. En: “Jim Jarmusch interviews” ed. Ludvig Hertzberg, University Press of Mississippi, 2001). El Gamelan es un conjunto instrumental indonesio tradicional, especialmente en Bali y Java. Los instrumentos utilizados son metalófono, xilófono, tambores y gongs. Recordemos además en esta nota que Jim Jarmusch entre 1976 y 1979 integró una banda New Wave llamada “Del-Byzanteens”.

[9] “Pienso que los espacios en negro realmente son una contradicción […] Formalmente ellos forman una separación, pero como el film progresa, vienen a ser interconexiones más que separadores” (Jim Jarmusch) (“Jim Jarmusch breaks in: discovering a hot new director at the New York Film Festival”, Paul Attanasio, Washington Post, 02 de octubre de 1984). El sonido es realmente el que conecta las secuencias, ya que cada vez que la pantalla se encuentra en negro oímos los sonidos de la escena siguiente ya sean estos diegéticos o extradiegéticos, como por ejemplo la música o el sonido del televisor.

Mo(L)r(a)en(ta)o es un nuevo registro de Moreno (Giancarlo Landini) remezclado por Lata (Andrew Collyer), la nueva apuesta sonora  juega con sonidos electrónicos y Dub. Cuenta con 12 nuevas versiones experimentales de temas publicada originalmente en los registros “Broma” (2007), “Pica” (2009) y “Polaroids” (2010) de Moreno.

Mo(L)r(a)en(ta)ojuega con la dualidad particulares de ambos músicos; folk-dub, ciudad-playa, optimismo-depresión, surf-skate, guitarra y mesa de mezclas.

Acá el link de  descarga  a Mo(L)r(a)en(ta)o:

http://hotfile.com/dl/42943641/b40973e/Moreno.html

22:00 horas, Entrada general $2.000

Lugar: Bar El Clan, Bombero Nuñez 363, Bellavista.

“Noche de Absenta, Poesía y Rocanrol”. La noche se viste de negro y los dragones abandonan su escondite, con toda la carga roquera de Francis, más el rock potente de La Causa, junto a DJ Alvaro España, una buena y necesaria dosis de rocanrol a la vena, con una barra de Absenta, junto a la lectura poética de Ljubica Villa, Oscar Uribe, Elías Hienam y Loreto Parra.  Si Charles Baudelaire pudiera ver esto, recitaría con nosotros sus flores del mal.

Elefantegonorrea

Combo artístico musical, desafiante y surrealista. Exuda creatividad y divertimento por cada poro, sus secuaces conforman una banda explosiva y penetrante, imposible quedar ajeno al sonido post-punk-dance-latino. Crecidos bajo el alero del underground mas real, desde Talca hasta B.Aires (Similpiel, Casa Van hausen) hasta la escena santiaguina, han depurado un trabajo en vivo que los hace imperdibles al momento de estar frente a ellos. El sistema sonico de Elefantegonorrea, es bases electrónicas, percusión, bateria, bajo, guitarras, teclado, violines y voces. Sus líricas van desde fabulas violentas hasta lucidas visiones contingentes, plasmando asi, un prisma juguetón y conciente, que cada día adquiere mas seguidores.

http://www.myspace.com/elefantegonorrea

“Noche de Absenta, Poesía e Indie Folk”. Esta jornada estará marcada por la propuesta indie, introspectiva y sensorial de New Old Trick, más el Folk umbilical, emotivo y profundo de Francisca Meza, que matizados con la poesía de Leonor Dinamarca, Santiago Pajarito, Carla Valdés y Pablo Lacroix, invocarán la presencia de las hadas, junto a una barra de Absenta, rememorando esas noches de tertulia,poesía y desenfreno con los cuales Arthur Rimbaud se dio cita durante una temporada en el infierno.

Martes 11 de Mayo 22:00 hrs. entrada general $ 2000

Lugar: Bar El Clan, Bombero Nuñez #363, Barrio Bellavista

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Giancarlo Landini  ya nos sorprendía en  “Pica” su tercer álbum con  un  sonido  que evocaba  a las legendarias bandas Dinosaur Jr, Pixies  y Sebadoh. Ahora  regresa con “Polaroids”   presentando  un excelente trabajo de  animación en el video clip “Pichón”. Dibujos del  puño del gran  dibujante  Leo Ríos.  El  disco saldrá por Riot Club Netlabel en unos días más.

Link a sus  Discos:

Moreno “Pica”   descarga acá:

http://www.mediafire.com/?kdwnzjlzjjy

myspace

http://www.myspace.com/morenoysuonda

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Una estética de la melancolía delineada por la textura del vhs constituye la visualidad del  primer videoclip oficial de la banda Protistas. Nueva promesa del  folk  nacional. Álvaro Solar (guitarra- voz) recopila grabaciones antiguas y más actuales de su circulo de amigos  más cercanos. Andrés  Acevedo (batería)  articula  el montaje.  El resultado un video bonito,  nostálgico  y amigable….

Más sobre Protistas:

http://www.myspace.com/protistas

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Hemos Venido Fracasando es un registro audiovisual de nueve bandas santiaguinas, en donde se hace el esfuerzo por retratar una escena autogestionada que se instala en rechazo a la industria cultural, y se ríe de la idea del éxito.
Las presentaciones son acompañadas de entrevistas, en donde se realiza una crítica a las plataformas de difusion con que se cuenta en la ciudad.
El material intenta enfatizar la necesidad de reconstruir y expandir los medios de difusión: el apoyo entre bandas, sellos, colectivos y organizaciones independientes que son la vía para aquellos que no tienen, ni quieren, tener cabida en las plataformas convencionales.

BANDAS REGISTRADAS  EN ESTE DOCUMENTAL:

Innombrable

Dizzlecciko

Sus realizadores  invitan abiertamente:

Quienes sepan editar o mezclar, quienes tengan una idea, lxs que tengan críticas, nos podemos juntar a conversar, y empezar trabajar juntos. ¿sabes de iniciativas similares?¿tienes material que nos sirva? ESCRIBENOS. hemosvenidofracasando[arroba]gmail.com

Más  información en :

http://hemosvenidofracasando.blogspot.com/

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(Denise Elphick / 2009 / Chile / 90′)
Lunes 14 / 22:15 horas / Centro Arte Alameda /Sala 1/ $1.000

Las mujeres y el rock tienen un sonido particular, una fuerza escondida. Son tonos, distorsiones, acordes y compases que tienden a ser más cambiantes. Extraños al oído común. Quizás las mujeres son capaces de enriquecer la música con su inestabilidad, fuerza y desgarro. Los grupos Lilits, Besos Con Lengua, Niñas Con Frenillo y Las Jonathan son mujeres y hacen rock.

femmerock.introfilms.cl/flash/

Directora: Denise Elphick
Producción: Tania Honorato.
Participan: Lilits, Besos Con Lengua, Niñas Con Frenillo, Las Jonathan, Día 14.

*Denise Elphick egresó de la Escuela de Cine de Chile, con la especialidad de Dirección de Fotografía. Se ha desempeñado en cortometrajes, videoclips, largometrajes y documentales como directora de fotografía, camarógrafa y directora. Desde el año 2008 forma parte del equipo estable de Introfilms. Femme Rock es su primer largometraje.

Por Luis Felipe Horta 

“Álvaro, Full Dedication”, modesto documental alemán que se exhibió en In-Edit, significó el retorno a nuestros escenarios de un músico rarísimo, mítico y a veces, cuando quiere, conmovedor. 

Álvaro Peña, “El chileno que canta con la nariz”, aunque para nosotros es “El chileno que tocó con Joe Strummer”, es una vieja leyenda underground, considerado por muchos como el fundador del Punk tras su paso por “The 101’ers”, la banda que tendrían con el que posteriormente sería líder de “The Clash”.  

Peña, una mezcla perfecta entre Syd Barret y Daniel Johnston, ha desarrollado en Inglaterra y Alemania una numerosa producción musical en sus sesenta y seis años de vida, la cual se conoce muy poco en nuestro país. O casi nada. 

Nacido en Valparaíso en 1943, tuvo un breve pero ineludible paso por adolescentes bandas rockandrolleras del periodo sesentero, hasta que comenzó paulatinamente a viajar a Inglaterra, lugar en que debió quedarse después de 1973, cuando la dictadura le prohibió entrar de vuelta a Chile. 

Exiliado, sin un peso en los bolsillos, y viviendo en casas okupa, funda con su amigo Joe Strummer la banda ““The 101’ers”, donde tocaba el saxo y se hacía llamar “El Huaso”, posando en las fotografías promocionales con un característico poncho. 

Tras la disolución de la banda, Álvaro Peña las emprende como solista con una seguidilla de discos tan raros como su particular forma nasal de cantar.  “Bebiendo de mi propia esperma” (“Drinking my own sperm”, 1977) o “Clase trabajadora” (“The working class”, 1979) configuran parte de un largo listado de autoediciones hechas en vinilos de 45 rpm, cassetes reciclados o CD compilatorios que algún sello tan visionario como independiente ha querido sacar a la venta a circulación. 

En los noventa, radicado en Alemania, se va a vivir a pueblitos alejados de las grandes urbes, desde donde sigue desarrollando su veta musical con un pequeño teclado y un bajista. 

La insólita historia de Álvaro Peña da lugar a una película que con muy pocas pretensiones, logra mostrarnos a un punkie deschavetado, que se viste con las ropas de su vecina de ochenta años de la que se ha hecho amigo, o que no duda en recolectar viejas cintas de cassete que recicla grabando sobre ellos sus discos que posteriormente se venden en una librería. 

La película tiene el mérito de mostrar a este señor como moraleja de vida. La “Full Dedication” hace referencia a la completa dedicación que debe tener un músico en la vida y frente a ella.  

Sin ostentaciones, sin dinero, sin lo material, Álvaro, hoy un mito del punk, del under, del low fi, de los exiliados, logra mantenerse en pie, hacer un musical llamado “Valparaíso”, sacar un boxet con dos libros y sus canciones emblemáticas o simplemente volver a Chile tras varios años, presentar una película que se esmera en aclarar “No hice yo”, y tocar tres canciones preocupado de “ser breve por que mañana hay elecciones”. 

La avasalladora visita del legendario Álvaro Peña, sabiéndose un mito, no lo es precisamente por que con su polera despreocupada, su postura de vecino o su sospechoso bolso en que carga sus discos, hace que no sea un mito, sino “el mito desmitificado”, la figura mas punk del punk, la inversa del estereotipo de artista. 

La película, un sobrio relato de un vecino que también es músico, logra penetrar mas allá de la singular historia de un exiliado que trabaja de entretenedor punk, de vecino sociable en un pueblo perdido, de dueño de casa. La “Completa dedicación” tiene que ver a su vez con el compromiso y asumirlo en el amplio sentido, desde el arte y desde la lucidez del juego. La película es un fresco mas allá de este personaje, sino de un sinfín de anhelos que pueden no deshacerse por que se supere la barrera de los treinta o los sesenta, de crecer sin necesariamente ser un “eterno adolescente”, de compromiso consigo mismo y con el entorno, de quererse viejo y arrugado, de amor propio y reinvención sin cirugías. Hoy, Álvaro Peña, a sus casi setenta años, no deja de ser un punk, y nos enseña que un punk puede de ser maduro y responsable, lúcido y demente, modesto y autosuficiente, y principalmente, coherente. Que para ser joven no se necesita edad, sino actitud.