Por Marcela Valdés.
Tres películas disímiles presentan un enfoque pre-apocalíptico: en la intensa mente palpitante del vocalista de Joy Division en Control de Anton Corbijn, en el ambiente sociopolítico de Werckmeister Harmonies de Bela Tarr, donde se agita de manera paulatina e inesperada una violenta crisis sin sentido y silenciosa, y en American Astronaut de Cory McAbee, tras la amenaza de un inminente asesino en el cosmos. Son tres películas de la década del 2000 filmadas en blanco y negro, con una impecable y evocadora fotografía, que seducen e impactan por su contenido y original propuesta, y también, hipnotizan.
Estos filmes son producto de la conjunción alucinante y vertiginosa entre imagen y sonido. La potencia resultante de ambas narraciones entrelazadas genera intensas emociones capaces de contraer los músculos, y aquello que llamamos alma.
Solitarios andantes
“Quiero que en la pantalla se vean hombre verdaderos”, afirma Bela Tarr. Los protagonistas de las obras mencionadas son seres únicos cuya lucidez se refleja en su andar, en sus ojos abiertos, en su singular personalidad que atañe misterio. Son hombres solitarios que viven al margen de la contingencia, unos más que otros, dependiendo de cuál sea la situación socio-política que habitan: manifestaciones, industrialización, o viajes siderales.
En Werckmeister Harmonies, la voz en off del Príncipe exclama: “Construcción en toda ruina/ es la emoción de destruir, implacable, mortal / No encontramos la causa de nuestro odio y desesperación/ así que nos abalanzamos sobre todo con salvaje furia”. Esta afirmación revela lo que está sucediendo, lo que sería el trasfondo de la historia: una violencia sin causa explícita que se exaspera en la plaza donde se encuentra la atracción del circo que ha llegado a la ciudad, una ballena. Aunque muerta parece más viva que todo personaje, con su grandioso ojo abierto al mundo este extraño mamífero es testigo, como Valuska, de los levantamientos populares, y ambos no puede-n sino permanecer inmóvil-es. De diferente modo, las palabras del Príncipe también se aplican en Control: para Ian Curtis, vocalista de Joy Division, la causa de su desesperación, dolor y enfermedad será un caos interior antes que una razón para el espectador explicable. Lo que sucede es la inversa de la teoría fractal del ‘Orden del caos’: desordenar aquel orden impostado y volverlo confuso e incoherente, de manera consciente o inconscientemente.
Por otro lado, el astronauta Samuel Curtis viaja en su nave-hogar por “un mundo sin gravedad donde los músculos se adormecen y se consumen”. En la primera parte del filme se presenta como un hombre frío y también denso y luego, al tener a un ‘niño’ como acompañante de viaje, se nota una alegría y motivación incomparables. No hay que olvidar que los viajeros, no así los turistas, son hombres solitarios.
Los protagonistas de estos filmes transcurren tras unas vías de frío y alejamiento del mundo; y así “mueren”, aunque por momentos hayan evitado su condición marginal. Esta definición puede aplicarse a sus personas: “El hombre no es una bestia de carga, es también una bestia de reflexión, de placer, de voluptuosidad, de meditación, de atonía, de olvido, de despertar”[1]. Por ejemplo, a pesar de su agudeza, Janos Valuzka, -personaje principal de Werckmeister Harmonies-, es poseedor de la poderosa curiosidad e ingenuidad infantil y en esto, surge un desconcierto ante el terrorismo que comienza a avasallar su ciudad en Hungría, situación que es tan opuesta a su cotidianeidad tranquila y circular.
“La vida es trágica, pedimos que no sea aburrida”[2]. En referencia al biopic de Joy Division, este muestra el arranque de la banda, las pasiones, compromisos y devastaciones mentales y pasionales de Ian Curtis, hasta su muerte. En esta narración cinematográfica sorprende que, rompiendo presuposiciones, la caída de Ian no se retrate de manera explícita; las adicciones y trastornos no son evidentes, sino que el mero rostro es capaz de transmitir la acelerada balanza de la inestabilidad entre control y des-control.
Bela Tarr afirma que “todo es mucho más grande. El ser humano es sólo una pequeña parte del cosmos”, lo cual se visualiza, de manera extraordinaria, en la imagen de Valuzka con su mirada absorbente y sin pestañear frente al inmenso ojo de la ballena, abierto, muerto; también, en la historia de Samuel Curtis quien como un átomo humano viaja en la inmensidad del espacio. Otro ejemplo son las tomas en que estos hombres caminan solos: el astronauta desafiando la gravedad ante una oscuridad poderosa avanzando hacia el bar Ceres, los mágicos planos en que Valuska camina de noche respirando el aire frío en una soledad absoluta, o Ian Curtis en las calles de la ciudad, literalmente con el escrito de su chaqueta “Hate”, o en su pieza frente al espejo maquillándose, sobre su cama, etc; sentimientos de aislamiento que se reflejan también en su música.
Valuska, desde la primera escena, determina un encantamiento con el cosmos y con los cuerpos que bailan en él, “(…) un espacio que era a la vez exterior como interior, inimaginable y a veces desolado, vasto y extraño, y sin embargo también íntimo, de retraimiento del hogar, como un útero”[3]. El cosmos como una zona de expansión infinita también se expone en American Astronaut, primero, de manera científica, luego incluso, con pinturas.
Tras los ritmos de botellas.
El tema The Edge of the World de Faith No More comienza con el choque de vasos de cristal o vidrio, y voces de conversaciones de bar. Al margen del mundo está Ian Curtis en su depresión, Samuel Curtis viajando entre planetas, un bar y un granero, y Janos Valuska ante la inmensidad de una ballena disecada.
En esto, la imagen de un bar como un espacio de múltiples narraciones en donde música e imagen se yuxtaponen, se manifiesta en los tres filmes. Los bares, nocturnos en su mayoría aunque también los hay diurnos, son objeto de emociones y convulsionan un efecto efímero liberador de angustias. El cine se ha encargado de descubrir, registrar, ambientar, producir, y agitar un lugar que para el ser humano como ente a la vez solitario y social es esencial, que para algunos adquiere carácter de santuario y para otros es trivial. Hay infinitos ejemplos de bares con formas estéticas y sociológicas propias, tanto en la vida real como en el cine, como el tipo fuente de soda que aparece en Sed de Mal de Orson Wells. En las películas aparecen de toda clase: bares de hoteles (El Resplandor, por ejemplo), aquellos comunes con mesas de pool (ej. Vivir su vida, Transpoitting), e incluso los que nacen de la mente fermentada del propio ‘autor’, como el bar Voloko (Naranja Mecánica) o la Cantina de la primera película de Starwars, entre tantos, tantos otros.
Hay características de estos reconocidos, conocidos, extraños o clandestinos espacios que son fundamentales, y en su mayoría indispensables. Entre ellas la barra, el barman, la evolución del asistente a la ebriedad, un ocasional escenario (piso, mesa o idealmente tarima), baño y una puerta de salida. Y música, que nunca falta: si no es de disco ni de instrumentos, en vivo las voces y el sonido de los cristales arman una melodía inevitable, a veces tenue, a veces tan intensa que nada más puede oírse.
Energía en movimiento.
La música de estas tres películas es imprescindible, tiene un valor no sólo en si misma sino también en su relación con la imagen, cuya combinación “(…) tiene un efecto de ‘interpotenciamiento’, por usar el término farmacológico para cuando dos drogas hacen sinergia y se fortalecen”[4]
Las tres películas puestas en análisis presentan “(…) una forma libre de danza que se corresponde con ‘la búsqueda de la forma que sigue al caos’”. La creatividad desborda, en estos casos, de maneras distintas: en Bela Tarr, la primera escena invoca un sistema solar danzante en el cual los personajes, sin decir palabra, giran. Giran y giran al igual que la cámara, un baile que representa, como un rito tribal, la manera en que se produce un eclipse ante la Tierra anunciando, intertextual e inconscientemente, el periodo de oscurecimiento ante la violencia inesperada que se aproxima en la ciudad.
En Control, la danza es sinónimo de Ian Curtis. La película reproduce fiel esa suerte de movimiento convulsivo, atónito, indescifrable; “(…) música para volarte la cabeza y proveer un sonido activador de danza”[5]. El ritmo de los movimientos inesperados del vocalista de Joy Division contrastan con la acabada fotografía, envolviendo al espectador, absorto por la música, en un baile interior y problemático que termina en suicidio.
American Astronaut, por su parte, sube los watts del amplificador de la banda sonora conjugando escenas que podrían ser parte de un musical, como la del mensaje que dos hombres le dan en el baño a Samuel Curtis por medio de una canción –‘Hey Boy’- y de un baile con ciertos pasos que después taladran como marcha en la escena, también musical del “muchacho que realmente vio el seno de una mujer”, o música en vivo como la banda que moviliza el concurso de baila en el bar de Ceres. Otra forma de danza, realmente impactante, es la que el misántropo asesino realiza en Júpiter al bajarse de la tarima, frente a los montones de tierra-cenizas que son los muertos a los que él patea al ritmo de la música, bajo una iluminación psicodélica como fractales de ácido que se desvanecen, que remiten a los backgrounds visuales de la primera era de Pink Floyd. Nietzsche dice que “hay que tener un caos en uno mismo para dar a luz una estrella que baila”[6], y en esta danza en la cual el polvo que quedó de hombres que se mostraron rudos se desparrama intensamente en el aire de un galpón cerrado, el asesino parece enloquecer.
Sonidos fuertes, escandalosos y otras formas de embriaguez.
“Seré duro contigo” grita un niño al ventilador, mientras otro salta en la cama: ruidos que sucumben en la música irónicamente militante que proviene del fondo. “El ruido como efecto de realidad”[7] se entiende también en la primera marcha sin música instrumental, con el sonido de los pasos rítmicos enardecidos en su interior, los rostros sin habla y con cierto delirio sin pensamiento, y decisiones de destrucción. Siguiendo entonces sin cortes este crucial plano secuencia de W. Harmonies, se expone la contraparte: después de la dura imagen del anciano desnudo en el hospital, después del saqueo, de los golpes trituradores de cortezas, acciones que despellejan la resistencia humana filmada con una cámara tranquila, sigilosa, con un silencio fúnebre para escuchar la Violencia en el hospital, violencia de golpes mudos y de estruendos al caer los objetos y quebrarse, después de todo aquello, al salir los hombres avanzan quietos, la música del compositor Mihály Vig encandila la visión frente a la acción que acababa de acontecer, avanzan con pasos lentos, con pesadumbre, siguen sin habla y ahora también sin objetivo, y con cierta desesperanza. En esto, las melodías compuestas previa y especialmente para esta película, son “un verdadero flujo de música en el que se ahogan las pesadumbres y las ansiedades de la espera”[8]. Se sintoniza una asfixia liquida que penetra con dolor y que en otras escenas es “gozosamente desconcertante”.
En referencia a la conexión entre imagen y música (incluyendo la suma de sonidos espaciales y de bares, entre otros) de American Astronaut, caben los análisis de Nietzsche quien “(…) celebra su poder dionisiaco, su capacidad para intoxicar y estremecer, producir frenesí, una suerte de exceso trágico de vitalidad, a pesar de que también establezca que la música, en su versión más acabada, sintetiza esta energía con las cualidades apolíneas del orden, la estructura y la forma”[9]. Desde los créditos, por ejemplo, la música y los cortes de la cámara, abruptos como el movimiento de la nave espacial en la cual el propio director se encuentra interpretando a Samuel Curtis, son ritmos de una efervescente fuerza energética que resuena continuamente en la película. American Astronaut posee también sonidos que estremecen, como aquella suerte de frecuencia electromagnética similar al resultado de ‘acoplo’ –efecto de la interferencia generada al acercar un instrumento eléctrico a su amplificador-, en la escena después del asesinato que el profesor Hess realiza en el baño, cuando éste yace en el suelo acariciando la tierra-cenizas del muerto y susurrándole algo indescifrable. Cory McAbee añade, además, secuencias musicales, es decir, canciones que aportan al guión y por ende a la historia, como en la inigualable escena del baño.
Ian Curtis, sobre el escenario y afirmando al bailar que la música no sólo se oye por el oído, sino también con el cuerpo, estalla brutalmente en una hidratación punzante evidenciada en los P.P de su rostro fascinado y a la vez perdido. En esto, la película expresa de manera intensa que su música “es tan serena como caótica, tan íntima como impersonal, tan sedante como extremadamente absorbente”[10].
Cierre.
“Cuando se es uno con el cosmos, el clima es ‘sólo un estado de la mente’”[11]. Cada una de estas tres películas es una caja de resonancia antes inédita, hoy única e imposible de afinar. Hay una constante en estas obras: la relación del protagonista con el cosmos, sea mediante una suerte de fábula y fascinante imaginación (W. Harmonies), sea el mundo que se encuentra dentro del organismo (Control), o sea el universo que los viajeros espaciales han visto o recorrido (American Astronaut). En todas existe, también, el caos que es propio del ser humano y que se manifiesta de diferentes maneras, tejido a su vez con energía y con ciertas dosis de armonía. Y, para terminar con los tres filmes mencionados, al involucrarse con tal intensidad desbordante, la imagen con “(…) la música tienen la capacidad de inspirar un arrebato místico, una sensación de estar aquí–y–ahora que nos diluye hacia una expansión infinita” [12]
[1] Maffesoli, Michel. El instante eterno. El retorno de lo trágico en las sociedades posmodernas. Buenos Aires: Editorial Paidós, 2001, pág. 94 citando a L. Daudet.
[2] Maffesoli, Michel. El instante eterno. El retorno de lo trágico en las sociedades posmodernas. Buenos Aires: Editorial Paidós, 2001, pág. 79 citando a Jacques Chardonne Le Ciel dans la fenetre
[3] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 101
[4] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 11
[5] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág 103.
[6] Maffesoli, Michel. El instante eterno. El retorno de lo trágico en las sociedades posmodernas. Buenos Aires: Editorial Paidós, 2001, pág. 94 citando a Nietzsche
[7] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 135
[8] Phillipe Brenot. El genio y la locura. Barcelona. Editorial: SineQuaNon. 1998, pág. 150
[9] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 223
[10] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 10
[11] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 89
[12] Simon Reynolds. Después del Rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas. Buenos Aires: Caja Negra editora, 2010, pág. 105
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MANIFIESTO SANFRIK FESTIVAL DE CONTRACINE NACIONAL
JUEVES 4 DE AGOSTO 2011 – SANTIAGO DE CHILE
Somos un grupo de cineastas y artistas comprometidos con diversificar la oferta audiovisual chilena. Apoyamos la producción y exhibición de un cine alternativo al de las carteleras tradicionales. Sanfrik surge del colectivo CONTRACINE con necesidad y urgencia por generar nuevas instancias de proyección para la producción nacional.
Queremos generar un encuentro comunitario en torno al cine, abriendo nuevos espacios como casas, tomas y centros culturales populares y organizaciones comunitarias.
Trabajamos y promovemos la realización cinematográfica autogestionada e independiente, donde las posibilidades creativas se ven sujetas a una organización colectiva entre cineastas, artistas y amigos.
Se busca difundir y promover la práctica fílmica en sectores independientes de distintas regiones del país.
CONTRACINE Movimiento & Creación recupera el sentido de comunidad y trueque en relación a la experimentación y la vivencia, discutiendo y conversando respecto a las problemáticas del cine nacional, sus procesos creativos, su financiamiento, producción y difusión.
SANFRIK busca acercar el cine a la comunidad, siendo los espectadores la voz viva del festival, interactuando con los realizadores a través del dialogo y votando por la proyección que más les guste.
SANFRIK es autogestión, una invitación a compartir, sin fines de lucro, del 18 al 28 de agosto, en distintas sedes a lo largo y ancho de Chile, adhesión voluntaria.
Suscriben: Rosa Angelini, Sebastián Concha, Susana Díaz, Ivo Malinarich, Fabiola Matte, Nacho Pastor, Efraín Robles y Matías Sánchez.
Bases y videos en http://alferezreal1149.blogspot.com
Email de contacto alferezreal1149@yahoo.cl
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Descripción:
Curso Teórico – práctico que pretende conocer y analizar los conceptos narrativos del montaje y desarrollo de guión en la imagen audiovisual.
Estudiando sus aspectos técnicos, se experimentará en torno a la manipulación gráfica; collage, fotomontaje, comic y storyboard para la creación de proyectos que conjuguen ambos lenguajes.
Objetivos:
Desarrollar la capacidad de reconocer y manejar elementos formales de narración para la construcción de historias a través de la imagen; conceptos narrativos y de guión, composición del plano y dominio estético de sus elementos, manejo del ritmo y continuidad.
Duración 3 meses
Viernes 18.30 – 21.30
Agosto – Octubre
Los talleres se dictarán en Outro
Outro
Montecarmelo 45, Providencia.
m.info@outro.cl
Toda la información sobre talleres y profesores aquí: click!
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Escuela de Espectadores FIDOCS presenta libro compilatorio y realiza Ciclo con Camarógrafos de Documentales
- La publicación –titulada “Más real que la realidad”- se lanza el viernes 24 y reúne las conversaciones desarrolladas en tres ciclos anteriores en las que han intervenido los realizadores Ignacio Agüero, Pachi Bustos, Jaime Díaz Lavanchy, Patricio Guzmán, Cristián Leighton, Sebastián Moreno, Tiziana Panizza, Marcela Said, Sebastián Sepúlveda, Juan Diego Spoerer, José Luis Torres Leiva y Cristóbal Vicente.
- La serie 2011 de análisis y diálogo en torno al género documental parte el martes 21 a las 13.30 en GAM y se extenderá hasta el sábado 25, con entrada liberada.
- Esta vez, el foco estará puesto en los camarógrafos con la participación de Raúl Cuevas (martes 21), Arnaldo Rodríguez (miércoles 22), Pablo Salas (jueves 23) y Eduardo Cruz-Coke (sábado 25).
Doce realizadores de documentales de distintas generaciones, enfoques y estilos participan en el libro compilatorio que Escuela de Espectadores FIDOCS presentará el viernes 24 a las 13.30 horas en el Centro Gabriela Mistral, GAM.
Más real que la realidad: conversaciones con documentalistas reúne las sesiones de análisis con la participación de público que se han llevado a cabo en las versiones 2008, 2009 y 2010 de la muestra y que han estado dedicadas a la labor de directores nacionales reconocidos por el certamen.
El libro permite el acercamiento a las claves de trabajo de Ignacio Agüero, Pachi Bustos, Jaime Díaz Lavanchy, Patricio Guzmán, Cristián Leighton, Sebastián Moreno, Tiziana Panizza, Marcela Said, Sebastián Sepúlveda, Juan Diego Spoerer, José Luis Torres Leiva y Cristóbal Vicente, quienes dialogaron en los encuentros moderados por el crítico Javier Ibacache y la investigadora Pamela Pequeño.
El material es una publicación del Festival Internacional de Documentales de Santiago y cuenta con la edición del periodista especializado Jorge Morales.
La presentación se enmarca en el nuevo ciclo de Escuela de Espectadores FIDOCS que desde el martes se realizará en la sala de Conferencias de GAM (Edificio B, Alameda 227, nivel -1) y que cada día a las 13.30 horas se enfocará en la labor de un camarógrafo nacional reconocido por su trabajo en el género.
En los encuentros intervendrán Raúl Cuevas (camarógrafo de Imágenes de una dictadura, martes 21), Arnaldo Rodríguez (camarógrafo de El edificio de los chilenos, miércoles 22), Pablo Salas (camarógrafo de Somos+, jueves 23) y Eduardo Cruz-Coke (camarógrafo de Con qué sueñas, sábado 25).
El ciclo estará abierto en forma gratuita a todo público y promoverá la participación de estudiantes secundarios en las sesiones a partir de la discusión de los distintos lenguajes, estilos y contenidos de las realizaciones documentales, resaltando en especial la labor que llevan a cabo los camarógrafos.
La Escuela de Espectadores es un programa independiente de mediación cultural y formación de audiencias que desde el año 2008 se lleva a cabo en Santiago y que en la actualidad tiene sede en el Centro Gabriela Mistral, GAM.
ESCUELA DE ESPECTADORES FIDOCS
Martes 21 a sábado 25 de junio
Sala de Conferencias
Centro Gabriela Mistral, GAM
13.30 horas
Entrada liberada
Más información:
www.escueladeespectadores.cl
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Por Denisse Espinoza
Luego de sus roces en la escalera, sus encuentros fugaces bajo la lluvia, la mirada consoladora y la palabra esquiva, ellos por fin se enamoraron. Se habían prometido no ser como “ellos”, pero no resultó. Él le dijo que estaba harto de habladurías, ella sostuvo que lo importante es que no eran verdad. Entonces él le confesó que sí: “yo también pensaba eso. Pensé que no seríamos como “ellos”, pero me equivoqué. Usted nunca dejará a su marido, así que prefiero irme”. Entonces ocurre algo que hemos esperado durante toda la película: él le toma la mano por última vez, ensayan el momento de su partida. El amor ya no se esconde y ella llora con amargura.
Tenía 16 años cuando vi Con ánimo de amar y me conmoví profundamente, pero nunca me pregunté por qué. Ahora sentada frente a este teclado, y luego de verla por segunda vez, debo escudriñar las razones de esa preferencia. No es fácil. Es cómo cuando tu pareja se le ocurre preguntar : ¿por qué me amas? Uno lo sabe, podría incluso enumerar algunas cuantas virtudes, pero eso no es suficiente. Porque el sentimiento es irreproducible en palabras, difícil de cuantificar y fuera de toda razón. Lo mismo me sucede con esta película. Y esta es la advertencia: aunque logre dar ciertas luces de porqué me enamoré a primera vista del filme de Wong Kar Wai, no creo poder trasmitir la experiencia emocional que me significa re enfrentarme a esas escenas. Pero aquí voy.
Una historia simple puede ser cautivadora cuando está bien narrada. Dos vecinos: la sra. Chan y el sr. Chow cruzan sus caminos al descubrir que sus respectivos cónyuges son amantes. Conflictuados, comienzan a acompañarse intentando reparar el dolor del engaño. La relación es tensa y compleja, y eso se transmite a través de la cámara de una forma maravillosamente bien resuelta. El director decide sugerir el conflicto a través de pequeños detalles que sitúa al filo del lente. Llamadas telefónicas secretas, llantos en la ducha, voces que provienen de las sombras: los infieles nunca son expuestos en pantalla. Para Wong Kar Wai, dejar fuera se convierte en una manera de mostrar. En este sentido, la película logra traspasar los límites de la imagen, asentándose en la imaginación del espectador. Existe así, una película explícita y evidente, que es la que vemos en pantalla y otra película, arraigada en la experiencia del que está mirando, en sus emociones, en sus recuerdos vividos y en la identificación que puede surgir con el drama de los personajes. Y puede suceder que el deseo del espectador se confunda con el de los protagonistas. Se trata de una invitación al público, para que él mismo construya su experiencia cinematográfica. La decisión de Wong Kar Wai de ocultar ciertas cosas, es la clave del filme y en ella radica el mayor de sus encantos. Para esto, el director construye un atmósfera psicológica que raya en la nostalgia y que ratos se vuelve bucólica. La estética me recuerda a los cuadros de Edward Hopper que retrató el pesimismo de la sociedad norteamericana anterior a la Segunda Guerra Mundial. Las escenas en el restaurante me recuerdan a los personajes de la pintura Los noctámbulos: silenciosos, cada uno imbuidos en sus pensamientos, alienados, no se miran. Sobre sus cabezas cae una luz verde, fría y artificial.
A ratos, cuando se muestra a cada uno de ellos, la cámara se vuelve lenta. Con sinuosidad captura el humo del cigarrillo, la lluvia cayendo desprolija sobre el alumbrado público, ella escribiendo concentrada sobre una mesa, la vida que pasa a cada minuto sin darnos cuenta. Ver esta película es una experiencia estética y espiritual invencible. Conmueve la contención de los personajes, sus sentimientos a punto de bullir y de fondo unos violines intensos y dramáticos que luego se convierten en un balada conocida con letra en español ( algo divertido para el público hispano) que resume los meollos del conflicto. Llegado a este punto, el filme se ha convertido en una especie de gran coreografía donde todos los elementos: sonido, iluminación y fotografía parecen milimétricamente calculados. El director se agarra de todos los detalles: el vestuario de ella, siempre perfecto y simétrico, ayuda en la constitución del tiempo, marca los días, los estados de ánimo y el mismo deseo reprimido reflejado en una ajustada tela floral sin arrugas y un peinado con mucha laca.
Los encuadres son esquivos y caprichosos. Al comienzo sitúan al espectador como un espía en la escena para luego convertirlos en cómplices de un romance que ya despunta (es interesante el encuadre que nos sitúa mirando a la pareja a través de las rejas de una casa, para simbolizar la prisión que los mismos protagonistas se han impuesto y del que les ha sido imposible liberarse). La mayoría del tiempo la relación está cimentada en el consuelo mutuo y en la tristeza que surge de la infidelidad de sus esposos. ¿Es amor?, ¿Es deseo? ¿Ya durmieron juntos? Una serie de interrogantes afloran y no tienen respuestas explícitas a lo largo del filme. El principio básico es una suerte de restricción moral tanto para la historia como para el trabajo de cámara. El resultado es un filme moderado, tierno y terriblemente melancólico, que realza la nobleza de sus personajes y que de cierta manera se vincula fuertemente con la cultura y el cine oriental donde el drama ha sido utilizado tradicionalmente para inspirar una moral de conducta.
Wong Kar Wai realiza un trabajo sublime de anticlímax. Juega con el suspenso y con las emociones que nunca revientan. El conflicto liberado en un minúsculo llanto casi al acabar el filme refleja, a mi parecer, un estado amoroso más humano y verdadero, alejado a la parafernalia y locura romántica que otras películas plantean como canon de relación amorosa.
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Por Susana Díaz
Pésima noche. Me despierto muy temprano, a eso de las siete de la mañana, y recuerdo que el día anterior compré dos documentales chilenos: La historia del Metal en Chile en la década de los ochenta y el segundo la Ciudad de los fotógrafos. Mi finalidad es observar sus propuestas narrativas y visuales, para ver cómo puedo yo articular un discurso en el documental que pretendo montar.
Extraña hora de la mañana para ver una película. Tal vez la obsesión que siento por tratar de encontrar la operación precisa para poder articular mi documental, me hace perder horas de sueño y despertar con ganas de ver una película de este tipo; me inclino por la Ciudad de los Fotógrafos. Su nombre me parece atractivo. Recuerdo un comentario en el taller documental que decía que la película, teniendo imágenes fotográficas notables, se despreocupaba de la dirección de fotografía. El otro factor que me lleva a verla, es haber observado la sistematización visual de un par de fotógrafos que estimuló mi interés hacia las operaciones del reportaje grafico, y finalmente la buenas críticas y reconocimientos a nivel nacional e internacional de la película.
Los primeros diez minutos lloré como en mis peores épocas de angustia existencial. Definitivamente el tema de la dictadura, la tortura y los detenidos desaparecidos me afectan profundamente, a pesar de saber que conscientemente manipulan mi emoción. Al avanzar, en la película se evidencia un dispositivo narrativo que se hace un poco confuso al mezclar mediante una voz en off la visión personal de su autor con el relato coral de varios fotógrafos, voz, que afortunadamente se diluye para dar paso a un relato estructuralmente más cercano a lo periodístico, con entrevistas, imágenes fotográficas, contexto histórico y una muerte que estremece a todos sus personajes.
Foto: Alvaro Hoppe
Investigación sólida que no escatima en tomar una visión crítica de lo que documenta, y lo notable es su capacidad de interrogarse a si misma. El clímax del documental abre el cuestionamiento moral de que se estaba fotografiando cuando termina la dictadura y comienza la transición. Lo que en un principio era un arma de denuncia social, que logró generar un gremio como A.F.I. que agrupó a importantes fotógrafos que denunciaban los abusos de la dictadura, se convirtió luego en un arma insensible y adrenalínica por capturar sangre; algo así como aves de rapiña en busca de carroña.
Recordé la espera de la muerte de Pinochet afuera del hospital militar: todos los reporteros gráficos estaban aglomerados con sus lentes en busca de la imagen que probablemente recorrería el mundo y les pagaría el sueldo del mes. Mientras tanto, la cámara del documentalista Iván Osnovikof capturaba un primer plano terrorífico de una mujer muy maquillada que rezaba un rosario rogando la salvación del general.
La ciudad de los fotógrafos que retrata Sebastián Moreno es una muy distinta a la actual, no sólo por la razón obvia del momento histórico que se vivía y el cambio de formato análogo a digital, si no que también por cómo se articulan las imágenes en esta nueva construcción social.
El cine documental, con sus operaciones inteligentes, ha podido exponer lo que la ficción lamentablemente no ha podido lograr al enfrentarse con el pasado de nuestro país.
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Karolina Guajardo, Autorretrato.
Por Susana Díaz
Abrimos este espacio con las imágenes de Karolina Guajardo, fotógrafa y productora gráfica digital. Miembro fundador del colectivo Macrodosis, Power Trío femenino que ha logrado ganarse su espacio en la fotografía nacional. Macrodosis se caracteriza por la apropiación de códigos del kitch y pop en la resignificación de un imaginario local de una pseudo farándula y los íconos religiosos, entre otras temáticas; intentando transgredir y porque no decirlo, provocar al espectador.
El trabajo individual de Karolina, dentro del colectivo sigue esta línea, pero con un sello personal, marcado por su profundo amor hacia la música punk y hip hop. Esto genera en su trabajo una constante por construir el imaginario de estos músicos locales desde su particular punto de vista.
Su fuerte no está en lo instantáneo de la fotografía; su trabajo se desarrolla en la post producción, desplegando su oficio de productora grafica digital, acercándose mucho a la fotografía publicitaria y la ilustración. Uno de sus referentes es Bill Simone, fotógrafo ilustrador que despliega un trabajo de la luz impresiónate. El otro es el fotógrafo español Ibai Acevedo, apodado miabuelonoloentiende, a quien se lo ha categorizado más de artista digital que de fotógrafo.
Karolina parte por el registro directo de la banda. En un estudio improvisado ya sea en la sala de ensayo o en la casa de los músicos. Ella financia su obra en la medida que ha podido comprar más equipos y va mejorando la condición de trabajo. Cuando comenzó, contaba: “muchas veces hay que partir sola con todos los focos a lugares bastante periféricos”. Destaco este punto, ya que me parece un trabajo muy autogestionado, al cual le imprime mucha energía y vitalidad a todo el proceso.
Después del registro, la producción gráfica es el contexto en que habita el imaginario de karolina. En su mundo, la superficie digital crea una realidad diferente a la que conocemos, resituando a los retratados. Creo que su imagen se debe leer desde estos dispositivos, como su inmersión personal desplegada por el collage y lo que ella ve en los sujetos retratados en donde intenta desdoblar dos superficies: la primera, la imagen que conocemos de los sujetos. La segunda, correspondiente a la capa digital, en la que aparece lo novedoso para el espectador y la manera en que se actualiza el presente de la imagen donde podemos ver desdoblada la esencia del retratado.
El trabajo de karolina es una obra en proceso. Tiene un alto nivel técnico y visual. Fotos muy logradas como la de Juan Sativo (Tiro de gracia) imagen perteneciente al exposición Por favor concedido, donde él se convierte en San Antonio de Padua, patrono de los pobres. Este trabajo recorrería el mundo en una comercial de Adidas para Alemania sin que ella nunca lo supiera.
Otra imagen muy lograda es el retrato de Katona (voz Voodoo Zombie) parte de la exposición “Arroz con leche me quiero cazar”. Karolina capta muy bien el personaje que construye katona. La diva de la escena rockabilly local, boxeadora y bibliotecaria además.
A mi parecer, otras imágenes quedan en camino como la de Lilits, también parte de la serie“Arroz con leche me quiero cazar “, en que no logra dar con la esencia de las chicas a pesar de su buen trabajo de color.
Sólo nos queda esperar sus nuevos trabajos y ver como nos sorprende con estas nuevas texturas digitales. Karolina próximamente prepara la presentación de su página Web.
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