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En la década de los noventa, el Hardcore avanza en chile como un movimiento fuerte, que rechaza las consignas del punk precedente y genera una red social de apoyo y trabajo antisistema a través de la lógica del “hazlo tu mismo”. Este documental reconstruye retrospectivamente una escena a través de sus protagonistas-bandas como Disturbio Menor, Silencio Absoluto y Donfango, quienes relatan cómo el tiempo cambió su radicalidad ideológica y estableció su legado generacional.
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por Gabriel Kauer
Luego de la primera guerra mundial, la Alemania derrotada se vería envuelta en un período de gran inestabilidad, tanto política, como económica y social. La llamada república de Weimar fue uno de los períodos más complejos para este país.
“En lo cultural, la época de la República de Weimar fue una de las más creativas y propensas a la innovación cultural de la historia alemana. Los primeros años estuvieron marcados por el expresionismo tardío tanto en la pintura como en la literatura, mientras que en los lustros siguientes alcanzó preponderancia la nueva objetividad y más tarde, durante la Gran Depresión, el realismo con crítica social.”[1]
Es interesante, cómo un período de tantos problemas, puede ser la cuna para el desarrollo del arte. El artista alemán de este período se veía, al igual que el resto de los alemanes, deprimido por las consecuencias de una guerra indescriptible en cuanto a brutalidad, y para el artista, todos los problemas sociales se convertían en una razón más para hacer arte y expresar así sus descontentos.
Es en este contexto, en el que resulta más sencillo entender el desarrollo del cine alemán de este período, que es, sin lugar a dudas, la época dorada del cine alemán y también una de las más importantes del cine mundial.
De este período surgen grandes películas expresionistas como El Gabinete del doctor Caligari, Metropolis o Nosferatu, pero dejando de lado estas películas con grandes decorados vanguardistas, encontramos otras películas, que si bien tienen influencias del expresionismo, tienen una búsqueda estética más realista. Una estética más social, urbana, donde la imagen de la calle, con todos sus secretos, peligros y misterios, juega un papel importante en la película.
Berlín, Sinfonía de una gran ciudad (1927), película de Walter Ruttmann, es uno de los mejores ejemplos en cuanto a esta visualidad de calle. Esta película es una experimentación ficción-documental que muestra un día normal en la ciudad de Berlín.
La película está dividida en cinco actos y se entiende que a medida avanzan los actos, también la parte del día que se muestra.
El montaje de las imágenes hace que la película en sí sea interesante, y que finalmente no aburra el ver más de una hora imagen tras imagen.
La calle es un lugar urbano de mucha importancia, y por ende es lógico que al querer hacer un cine más social, se tienda a utilizar este espacio como decorado suficiente. Quizás no es necesario grandes estudios con decorados inmensos. A veces basta salir a la calle con una cámara y captar la realidad tal cual es. Cruda.
La película de Ruttmann es, a muy grandes rasgos, eso.
Al ser una película sin historia, como se entiende tradicionalmente una historia en el cine, aunque con direccionalidad, esta “city symphony” da mucho espacio a la interpretación. Es obvio que una interpretación contemporánea, a más de ocho décadas de su estreno, sea bastante diferente a la visión de un cinéfilo alemán de aquella época. Sin embargo, hay aspectos, que debido a esta misma diferencia temporal resultan interesantes.
De las cientos de imágenes que surgen a lo largo de la película, hay ciertos “motivos”, es decir, ciertas imágenes que se repiten, aunque sea con variaciones, igualmente uno las recuerda. La más fácil de encontrar es la imagen del ferrocarril, en especial una toma en movimiento desde el frente de éste, que debido a su naturaleza, se puede interpretar de muchas maneras. La interpretación más sencilla que surge, es la imagen del destino, ya sea en un sentido espacial, como es el caso de la primera secuencia de la película, la del ferrocarril yendo hacia Berlín o de algún sentido más espiritual.
También aparecen varias veces unos maniquíes, que parecen contrastar con la gente en movimiento. Esta imagen de seres inanimados puede ser interpretada como una crítica social hacia las personas y el sistema, pero sin lugar a dudas, el “motivo” que más funciona en este sentido, son los distintos animales que aparecen para imitar en cierta forma las actividades diarias de las personas.
El otro “motivo” visual que aparece en varias ocasiones es la máquina, la industria, con todo lo que ésta conlleva. Por un lado el progreso y la tecnología, y por otro lado crisis social y estratificación.
Si bien esta “crítica” no está implícita, distinto es lo que sucede en el 4º acto, donde se muestra un diario, del que destacan distintas palabras de tragedia, entre ellas; muerte y dinero varias veces. Aquí se ve cómo los problemas sociales y monetarios eran típicos de esta Alemania en crisis.
Esta crítica se agudiza aún más cuando se ve que una mujer desesperada quizás por qué, decide suicidarse y se lanza al río. Finalmente el film no se detiene por este suceso, ya que no es la naturaleza de este, pero de todas maneras es curioso como una película que esta mostrando los sucesos de un día normal de una ciudad muestra algo tan fuerte como un suicidio. Al parecer la calle esconde algo, quizás trágico.
A fines del 4º acto en adelante, surge otra realidad social interesante, que se vería reflejada en otras películas de la época. Surge la vida nocturna y con ella otro sector social, más adinerado, capaz de alejarse de los problemas de su sociedad y dedicarse a la entretención de la noche.
Aparece la imagen de la vedette, la prostituta, imagen muy recurrente en ciertas películas de este período.
Se muestran a hombres bien vestidos disfrutando de cualquier tipo de espectáculo, mientras momentáneamente se ve a un pequeño grupo de personas trabajando aún a la intemperie Está claro que la película funciona a través de contrastes y comparaciones.
Hay dos elementos aún propios de la noche que son comparables en otras películas contemporáneas a ésta, que son el alcohol y las apuestas.
Sobre todo el fenómeno de las apuestas que se repetiría en varias películas es muy curioso, ya que es fácilmente entendible que en una sociedad en crisis aumente la tasa de consumo de alcohol y por ende se haga muy común ver este fenómeno en las expresiones artísticas más realistas de la época, pero distinto es lo que sucede con las apuestas, ya que uno no pensaría que en un país de crisis económica aumentan las apuestas y juegos de dinero, pero las películas muestran lo contrario.
Hay dos películas principalmente de este período que junto a Berlín, Sinfonía de una gran ciudad conforman un trío donde las similitudes nos hacen pensar que se puede suponer que estos elementos que se repiten eran propios y comunes de este período. De esta forma se hace interesante el entender un período histórico a través de sus obras de arte.
Estas películas son: Die Strasse (La Calle), de Karl Grüne, 1923 y Überfall (Accidente), de Ernö Metzner, 1928.
“En las películas alemanas esa calle representa, sobre todo por la noche, con sus esquinas desiertas en donde se sumerge uno como en un abismo, con su tráfico fulgurante, sus farolas encendidas, sus letreros luminosos, sus faros de coche, su asfalto reluciente por la lluvia, las ventanas de sus misteriosas casas iluminadas, la sonrisas de esas niñas de rostro pintado, la llamada del destino; es la atracción enigmática, la seducción voluptuosa para los pobres diablos que cansados de su hogar sombrío y de la monotonía de su vida, van en busca de aventura y evasión.”[2]
Esta cita es interesante, ya que por un lado habla del primer tema en el que se relacionan estas películas, que es la realidad urbana, a través de la imagen de la calle. También habla del destino que es un tema curioso en estas películas ya que está siempre presente de alguna forma.
Esta cita hace referencia a la película Die Strasse. Esta película trata sobre los sucesos ocurridos en una noche en una ciudad alemana, y principalmente sobre un hombre burgués, que cansado de la monotonía, sale a recorrer la calle nocturna en busca de entretención. Esta película trata de forma interesante el tema de las historias paralelas, y debido a que estas finalmente terminan entrecruzándose, surge la figura del destino.
Además, pese a no ser una película que trabaja solamente con las imágenes como Berlín, Sinfonía de una gran Ciudad, funciona como la versión nocturna de ésta.
Por otro lado Überfall es un cortometraje que comienza con la imagen de una moneda en medio de la calle y un hombre que por intentar recogerla termina siendo atropellado por un automóvil. Luego otro hombre ve la moneda, la recoge y debido a esto ocurren distintos sucesos que terminan con el hombre herido en un hospital.
El accidente, o la tragedia y la muerte es un tema que se repite en las tres películas. En la película de Ruttmann, vemos como una mujer se suicida, y sin embargo la película continúa como si nada. En Überfall sucede algo similar en la primera secuencia. Un accidente en el que para el espectador le es más irrelevante que la historia que continúa. De hecho, para el espectador no queda claro que sucede finalmente con este hombre, es decir, si muere o no, pero parece no importar.
En cuanto a la tragedia final de esta película, ésta es muy similar a la tragedia final de Die Strasse. En ambas está involucrada una prostituta, un ladrón y sobre todo el dinero.
En ambas películas los protagonistas apuestan dinero. En Überfall el protagonista apuesta la moneda que encontró en la calle, que sabía que era falsa. Esto no le impide jugarla y gracias a eso gana bastante dinero. El hecho de tener tanto dinero hace que un hombre lo persiga para robarle. En Die Strasse sucede algo similar. El protagonista quiere impresionar a una prostituta y por eso apuesta dinero, pero lo pierde todo. No obstante apuesta su anillo de matrimonio, y gracias a eso logra recuperarlo todo e incluso gana más. Finalmente él junto con un hombre mayor se quedarían con todo el dinero, y la mujer al saber que ambos ganaron les ofrece su compañía, pero todo era una trampa para que los que perdieron en el juego puedan recuperar su dinero.
Es curioso que no solo en ambas películas, sino también en la de Ruttmann, se castigue y en el caso de Berlín Sinfonía de una gran ciudad se critique a través de contrastes, el hecho de apostar dinero.
Tanto en Überfall como en Die Strasse las tragedias son una consecuencia de tener dinero.
En estas dos últimas películas también surge la imagen de la prostituta, aunque en ambos casos esta mujer no tiene otras intenciones que robarles. En ambos casos las mujeres están protegidas por hombres que les ayudan. En la de Ruttmann, no se ve tan explícita la imagen de la prostituta, pero si muestran ciertos espectáculos de entretención para hombres especialmente.
En la película de Metzner, al protagonista parece no importarle el hecho de que lo están persiguiendo para robarle, ya que apenas la mujer le ofrece sus servicios, este acepta. Sucede algo similar en la película de Grüne, ya que cuando esta mujer se asoma por la ventana y le grita algo al protagonista, este también no duda en aceptar, siendo que en este caso este hombre está casado.
Al ver con tanta naturalidad como los hombres aceptan este tipo de servicio puede darnos ciertos indicios de la realidad social de aquella época.
En las películas de Metzner y Grüne ambos protagonistas son castigados por ciertas decisiones que toman, a lo mejor para darle un sentido moralista a la película.
En cuanto a esto último, acerca las decisiones que se toman, pareciera ser que éstas conllevan a un destino fatal, cuando no son las correctas. En Die Strasse hay una recordada imagen de este hombre siguiendo a la misteriosa mujer. En esa secuencia, se encienden unas luces en la calle y se ve claramente como estas luces tienen una apariencia de unos ojos observando y previniendo. Además, anteriormente, el hombre había visto como el rostro de una mujer se convertía en una calavera.
En Überfall el protagonista, cuando estaba en la habitación de la mujer, se encuentra con una carta de algún tipo de tarot, que muestra la imagen de la muerte.
Estos sucesos hacen que se pueda interpretar que ha surgido un nuevo factor en las películas. La imagen del destino, al igual que el inicio de la película de Ruttmann, con las imágenes del ferrocarril y su destino particular; Berlín.
Dejando de lado las muchas semejanzas que hay en las películas, hay elementos propios de cada película, que hacen que cada una sea interesante.
Die Strasse muestra dentro de su formato de historias paralelas, los sucesos ocurridos aquella noche pero desde el punto de vista de un niño. Y no es cualquier niño, sino que es el hijo del que finalmente se convertiría en asesino. Este niño, que es protegido por un ciego, en la medida que este puede, parte pidiéndole de todo corazón a su padre que no salga, ya que presiente que algo malo va a suceder. Debido a que este no le hace caso, el niño lo buscará, peligrando así su vida.
La imagen de ingenuidad del niño se ve extremada en el momento en que no solo no es capaz de proteger a su padre, sino que es en cierta forma el culpable de que éste sea castigado por lo que hizo.
Esta imagen de inocencia e ingenuidad es propia de los niños y será explotada de distintas formas por el cine.
Por otro lado en Überfall, dentro de todas las cosas interesantes que esta película puede tener, destaca la secuencia de imágenes reflejadas por distintos tipos de espejos que surgen del inconciente del protagonista herido.
Algo de similar tienen estas imágenes con las de la secuencia de Die Strasse, del hombre que mira por la ventana de su departamento, de donde surgen distintas imágenes de la vida nocturna. También se entiende que las imágenes no están realmente sucediendo, sino solamente en su mente.
Hay un factor importante que ha surgido de manera tangencial, pero que su importancia es básica para entender las tres películas y la realidad social alemana que hace posible la germinación de estas películas: El dinero, y su papel de antagonista.
En la película de Ruttmann hay una clara crítica al dinero mismo, como en las imágenes de los diarios donde la palabra dinero se repite una y otra vez, y a todo lo que éste conlleva. Es decir, pobreza, estratificación, y el sistema mismo.
La figura del obrero contrastada con la del burgués apostador. Las personas mismas, que al ser partes del sistema son comparadas con animales. Incluso la imagen de una mujer pidiendo dinero frente a una joyería.
El dinero y todo lo que este conlleva, era el verdadero enemigo del alemán de aquella época, ya que todos los aspectos negativos del sistema monetario se veían incrementados debido a la crisis en que estaba el país.
El dinero es un elemento que se ocupa hasta el día de hoy en el cine. Cualquier película de carácter más social utiliza este elemento de alguna forma u otra como base de una crítica social.
En cuanto a la película de Grüne, también se entiende que el dinero no solo es un factor de los sucesos, sino un verdadero culpable. Pese a que esta película no muestre de la forma que la película de Ruttmann muestra a los personajes sociales de mayor carencia, el dinero funciona finalmente como un enemigo de todos los que participan en las acciones de la película. El dinero por el hecho de tenerlo o quererlo te castiga en cierta forma.
La película de Metzner es la más explícita en cuanto a este sentido. La primera secuencia ya nos muestra a un hombre que es atropellado por recoger una moneda.
Esta moneda con todo lo que representa será al igual que en la película de Grüne el antagonista. Todo lo malo que le sucede al protagonista estaba en cierta forma ya destinado por el hecho de recoger la moneda.
Finalmente el protagonista terminaría en el hospital y un oficial le preguntaría quién fue el culpable. El protagonista cierra los ojos y frente a los ojos de la audiencia la imagen se convierte en la misma moneda del principio girando.
Esta reflexión que hace Metzner es una de las más simples que pudo haber hecho un artista de éste período. Ver en el dinero la causa de los problemas de su sociedad, y querer plasmarlo en su arte en forma de crítica.
El dinero era un problema de los obreros, de los burgueses y mejor dicho de todos los alemanes de ese período. Es una de las causas básicas para entender la forma en que este país terminaría optando por las vías del nazismo.
Innumerables películas posteriores a estas, usaran al dinero como el verdadero antagonista. El dinero es la base de todos los sistemas sociales que existen, y el criticarlo es, en cierta forma, criticar el sistema mismo.
Metzner no clasificó al dinero como un factor de los problemas, sino que lo clasificó como la causa misma, el culpable absoluto, y lo curioso es que ochenta años después su mensaje sigue vigente.
[1]http://es.wikipedia.org/wiki/Rep%C3%BAblica_de_Weimar#Arte_y_cultura_durante_la_rep.C3.BAblica_de_Weimar
[2] Eisner, Lotte H., La pantalla Demoniaca, Madrid, Catedra Signo e Imagen, 1996, pag. 169
Berlín, Sinfonía de una gran ciudad (1927), película de Walter Ruttmann
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Überfall (Accidente), de Ernö Metzner, 1928.
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Die Strasse (La Calle), de Karl Grüne, 1923
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Por Susana Díaz Berrios
La dupla de documentalistas compuesta por Bettina Perut e Iván Osnovikoff son parte importante de la historia contemporánea del cine chileno; con seis producciones, dos de ellas fundamentales, a saber, “Un Hombre Aparte” (2002), y “Noticias” (2009). La pareja ha logrado reformulan el cine documental chileno contemporáneo, por ende, no han estado exentos de polémicas, pues su trazado cinematográfico ha configurado nuevas éticas al enfrentarse al cine de la realidad, innovaciones estéticas fílmicas en el devenir en que se confrontan al lenguaje. La propuesta de Perut-Osnovikoff se apropia del formato de video en pos de una cinematización y propone un mirada cínica, mordaz de la actualidad de la que da cuenta.
Perut–Osnovikoff operan desde la insolencia, con espíritu transgresor crean un cine sin concesiones al espectador y fuerte experimentación formal, transitan por varios tratamientos documentales sin encasillarse, dan cuenta de un género en búsqueda constaste, una obra en movimiento.
El dispositivo narrativo de “La muerte de Pinochet” tiene su ontología en la observación de un momento histórico y clave en proceso político de Chile: la muerte del dictador y su funeral en un país dividido por las heridas del pasado más reciente. Perut-Osnovikoff registran manifestaciones a favor y en contra de Pinochet, movimientos ciudadanos que se toman las calles de Santiago. La cámara pone los acentos en personajes que están a favor del general y que sufren su muerte. El repertorio de imágenes ejerce una atracción pues registra los delirios, la expresividad más genuina de los afectados; es en este trance cuando comienza a destacar el uso del primer plano de mujeres y hombres de diversas edades que gritan enloquecidos y suplican por la salvación del general Pinochet; el close-up da cuenta de rostros desencajados, muecas deformes, detalles faciales; en suma, la pureza de la monstruosidad de la gente, se manifiesta visualmente la enajenación.
Paralelamente se inserta otro dispositivo propio del cine documental: el seguimiento de cuatro personajes que se encontraban en las calles manifestándose a favor y en contra de Pinochet; es un cuarteto compuesto por individuos adultos con una aura de decadencia, enloquecidos. Dos de ellos de posiciones políticas de derecha -una mujer dueña de un carrito de flores sin patente situado en la Plaza de Armas- donado por Lucía Hiriart, esposa de Pinochet, el cual ha perdido (al parecer) por el cambio de gobierno; ella se victimiza y suplica a Dios y al cuerpo del dictador que se lo regresen. Por consiguiente, el presidente de la Fundación 11 de Septiembre, admirador absoluto del general, quien sufre la muerte de su ídolo. Se añade el Viejo Pascuero, un ex conscripto que es capturado en una de las escenas más conmovedoras por su realismo, pues el hombre aparece chupando limón en medio de una protesta y como telón de fondo dos guanacos carros lanzaguas que reprimen a los manifestantes. Finalmente, el borrachín cuidador de autos, quien da la nota divertida con sus opiniones frente al acontecimiento.
Taxonomía de la mirada
El montaje del filme es ágil, fluye rápido y potencia la calidad de las logradas secuencias, su contraposición estriba entre la observación de los fanáticos de Pinochet, los opositores al dictador y el seguimiento de los cuatro personajes que constituyen la linea argumental. Los encuadres y los primerísimo primeros planos a la dentadura de los personajes le otorga al film una cruenta vivacidad que raya en lo obsceno, pues por ejemplo, centrar el lente en la dentadura de un lustrabotas que posee dos piezas dentales podridas, crea sensaciones de rechazo.
“La Muerte de Pinochet” es una exploración hacia la alienación gatillada por un hecho histórico en una ciudad estremecida. Son pulsiones enloquecidas ante el desfallecimiento de la memoria que se expresan en la fuerza del lenguaje de sus realizadores. Trata, por tanto, de un lenguaje visual que renueva la perspectiva crítica y que marca precedentes en el tratamiento documental, género por cierto, al alza en Chile.
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El Viejo Pascuero micro trailer
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Por Susana Díaz Berrios
Locas mujeres es la segunda película documental de María Elena Wood tras La hija del general (sobre la ex mandataria Michelle Bachellet, 2006). El nuevo film se estrenó en la competencia Nacional de Sanfic7, certamen en curso. La precuela aborda la vida sentimental de otra mujer icono chilena, primer premio Nobel de Literatura en Latinoamérica, la poeta Gabriela Mistral.
Locas mujeres recoge la vida de la nobel, de una mujer marcada por dos acontecimientos determinantes y constitutivos de su vida. El primero se refiere al premio Nobel de Literatura propiamente, y el segundo, a una herida abierta por la muerte de su hijo-sobrino Jim Jim. Bajo esta premisa resulta una filme interesante, desde su valor retrospectivo y el rescate de la vida amorosa (y privada, huelga decirlo) de la Mistral, de cierta forma saca definitivamente del clóset a nuestra poeta, asumiendo claramente su gusto por las señoritas. El filme se sostiene en la relación amorosa de Gabriela con Doris Dana, una mujer estadounidense, mucho más joven que ella, de una buena estampa, millonaria y absolutamente devota a Gabriela.
Nada de alocado me parece el amor expresado por estas dos mujeres en el filme, sino bello y femenino; en eso Wood acierta en la cuidada imagen de ambas y el tratamiento sutil del tema del amor lésbico. No es un documental que retrate un amor prohibido o tortuoso, sino más bien refiere a un amor maduro y asentado en Long Island, el paraíso de amor de nuestras protagonistas. Amor unido por dos suicidios, dos profundos vacíos. Para Gabriela, la pérdida de su hijo y, para Doris, su padre; dos vidas unidas por la soledad y el amor maduro que sólo en algunos pasajes rescata sucintamente la obra poética de Gabriela, que nos insinúa su profundo poder simbólico, para luego anularlo y continuar con la historia de amor; importa subrayar que en la medida que avanza el metraje éste se vuelve monótono. El documental de corte retrospectivo se focaliza en gran medida, y porqué no decirlo, se sostiene por las entrevistas de Doris Atkinson, sobrina de Doris Dana y quien ha guardado el legado de su tía, que es nada menos que la obra poética de Gabriela.
A renglón seguido, es posible sostener que Esas locas mujeres es más un documental acerca de Doris Dana que en torno a Gabriela Mistral; o dicho de otra manera, la sombra que ejercía Gabriela en Doris Dana o lo que recuerda Doris Atkinson de su tía, al parecer insegura y egoísta, y desde esa perspectiva, aproximaciones a la obra de Gabriela, la cual puede ser recuperada cuando Atkinson la devuelve al gobierno de Chile. El filme se sostiene por grabaciones de audio e imágenes de archivo en formato súper 8 registradas por ambas en la tranquilidad de su casa en Long Island. Esas locas mujeres es un filme plano que cumple con informar la vida íntima de Gabriela, con momentos particularmente acertados en varios pasajes de la relación de la poeta con Yin Yin. No obstante, no es el filme definitivo de Gabriela Mistral, sólo podemos agradecer a Wood y a esas locas mujeres informarnos que nuestra premio Nobel pasó sus últimos días felices y hallar el amor tantas veces negado.
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- WORK IN PROGRESS EN SANFRIK
- Más a tierra [10 min] (Tania Lavanderos)
- Conversación por skype con Tania Lavanderos [20 min]
- Todos los Hombres [10 min] (Sebastián Concha)
- Conversación con Sebastián Concha [20 min]
- Tierras del Mar [10 min] (Jean Cid)
- Conversación con Jean Cid [20 min]
- Hardcore [10 min] (Susana Díaz)
- Conversación con Susana Díaz [20 min]
- PRIMER CORTE: Mal Miedo [79 min] (Matías Sánchez)
- Conversación con Matías Sánchez [20 min]
LUNES 22 SANTIAGO. Sede FAU-HALL CENTRAL (DESDE LAS 19:00) Marcoleta #250.
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Cortometraje realizado durante Enero y Febrero en el Perú y Turquía. En el paisaje a mis pies se encuentra un mundo desconocido.Observo mi entorno desde mis caderas mientras reconozco distintas texturas, sonidos y diferentes suelos a través de Lima , Cusco,Pucallpa e Iquitos en Perú, y Estambul, Troya, Capadocia y Ankara en Turquía.
DIRECTOR: Roberto Urzua
País: Chile
Rodaje: Perú, Turquía
Estreno Nacional 2011 Sanfrik
Sede FAU ( 19:oo hrs) Marcoleta #250.
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MANIFIESTO SANFRIK FESTIVAL DE CONTRACINE NACIONAL
JUEVES 4 DE AGOSTO 2011 – SANTIAGO DE CHILE
Somos un grupo de cineastas y artistas comprometidos con diversificar la oferta audiovisual chilena. Apoyamos la producción y exhibición de un cine alternativo al de las carteleras tradicionales. Sanfrik surge del colectivo CONTRACINE con necesidad y urgencia por generar nuevas instancias de proyección para la producción nacional.
Queremos generar un encuentro comunitario en torno al cine, abriendo nuevos espacios como casas, tomas y centros culturales populares y organizaciones comunitarias.
Trabajamos y promovemos la realización cinematográfica autogestionada e independiente, donde las posibilidades creativas se ven sujetas a una organización colectiva entre cineastas, artistas y amigos.
Se busca difundir y promover la práctica fílmica en sectores independientes de distintas regiones del país.
CONTRACINE Movimiento & Creación recupera el sentido de comunidad y trueque en relación a la experimentación y la vivencia, discutiendo y conversando respecto a las problemáticas del cine nacional, sus procesos creativos, su financiamiento, producción y difusión.
SANFRIK busca acercar el cine a la comunidad, siendo los espectadores la voz viva del festival, interactuando con los realizadores a través del dialogo y votando por la proyección que más les guste.
SANFRIK es autogestión, una invitación a compartir, sin fines de lucro, del 18 al 28 de agosto, en distintas sedes a lo largo y ancho de Chile, adhesión voluntaria.
Suscriben: Rosa Angelini, Sebastián Concha, Susana Díaz, Ivo Malinarich, Fabiola Matte, Nacho Pastor, Efraín Robles y Matías Sánchez.
Bases y videos en http://alferezreal1149.blogspot.com
Email de contacto alferezreal1149@yahoo.cl
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BASES SANFRIK1 SELECCIÓN OFICIAL
1. Proyectamos largos, cortos, documentales, híbridos, videoclips, nanometrajes, videoarte, pilotos de series que nunca vieron la luz, en suma toda película chilena cualquiera sea su duración terminada en DVD, da lo mismo si se dio antes en alguna parte del universo, del ciberuniverso o en un universo paralelo.
2. Se premiará con tres (3) becas 100% para los Talleres Integrales Contracine 2012 (http://alferezreal1149.blogspot.com) a los tres trabajos en competencia más votados en las distintas sedes del festival. Los proyectos enviados no entran en categorías, todos los proyectos tienen las mismas oportunidades de adjudicarse los premios.
3. Los beneficiados serán elegidos por votación popular. Después de cada función, los espectadores votaran una vez en por función. Se hará un recuento de las votación de todas las sedes participantes y se eligirá un ganador el día 27 de agosto y el 28 de agosto será premiado en el fiesta de clausura de SANFRIK 2011
4. Los participante tienen que enviar 3 copias en DVD (NTSC y .MOV) del proyecto y estar rotulados con el nombre de la obra, del director, la ciudad y la duración y ser enviados a Alferez Real 1149, Providencia (SANFRIK 2011 no cubre costos de envio). Estas copias serán copiadas y distribuidas en las sedes participantes.
5. También deben enviar un CD con una foto del director, una filmografia breve, sinopsis máximo 5 líneas, ficha técnica y artística, año de producción, un afiche digital para subir al blog y tres fotos del rodaje (No es necesario que las fotos tengan 300 DPI, pero sí que se vean bien, sean representativas de la obra y sirva para los efectos de promoción y catálogo on-line).
6. Entendemos que si nos mandan sus trabajos es porque quieren ser parte de la competencia o de la muestra del SANFRIK 2011. Las copias no serán devueltas, se archivarán y conservarán como parte de la colección de Contracine Movimiento y Creación.
7. Recepción de películas hasta el 10 de agosto.
8. Para más información enviar mail a alferezreal1149@yahoo.cl o visitar http://alferezreal1149.blogspot.com/.
BASES SANFRIK1 PARA LAS SEDES
1. Invitamos a aquellas personas motivadas que quieran habilitar por los 11 días que dura el evento el living de su casa o su pieza o una casa okupa o lo que sea, solicitar la programación …, le sacamos copia y exhibimos en paralelo en otras sedes. Invitamos a los Cineclubs, a los Centros Audiovisuales Populares y a todas las instancias… mostremos, conversemos, discutamos, aprovechemos. Se viene en paralelo la programación en Llay Llay, motivense en Viña, Valpo, Conce, Temuco, Valdivia, Iquique. Sin fiesta en el Hyat, sin peliculas en Malls. Vea cine aquí, con piscola en mano, con la posibilidad de conversar con los realizadores tras la proyección. No al arribismo, no a la imagen falsa de los jaguares, de los ingleses de latinoamerica, del papelito de los 33… Recuperemos los espacios públicos, la calle -el imaginario- es nuestro.
2. Las Sedes que quieran participar tienen que contar con un proyector, un dvd y un PC con facilidad de conectarse a internet para hacer las conversaciones con los directores on-line en todas las sedes simultáneamente vía skype. De este modo todas las Sedes son partícipes de las conversaciones y podrán hacer preguntas al los distintos realizadores.-
3. Las sedes que quieran sumarse deben hacernos llegar una torta con 25 DVDs a Alferez Real 1149, providencia.
4. Para más información enviar mail a alferezreal1149@yahoo.cl o visitar http://alferezreal1149.blogspot.com/.
MANIFIESTO SANFRIK
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SPOTS DEL FESTIVAL
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En una ceremonia efectuada en Centro Gabriela Mistral, el sábado 25 de junio, y con la conducción de la actriz Blanca Lewin la organización del 15 FIDOCS entregó los ganadores de su versión 2011.
Además, en la oportunidad la Asociación de Periodistas de Espectáculos y Cultura de Chile entregó dos distinciones: el Premio APES para FIDOCS por su aporte al desarrollo del cine documental en Chile, y Premio APES a Patricio Guzmán como reconocimiento a su gran trayectoria nacional e internacional en el cine documental.
Las funciones continúan este domingo 26 de junio, la programación completa se encuentra en www.fidocs.cl
GANADORES POR COMPETENCIA
Con una convocatoria en la que llegaron más de 50 largometrajes de documentalistas chilenos, los ganadores de la Competencia Nacional son:
MEJOR PELÍCULA NACIONAL
“Hija”, de María Paz González. Chile. Recibe como premio GRAN PREMIO EMBAJADA DE FRANCIA, consistente en un pasaje + estadía a un festival de documentales en Francia (entregado por la Embajada de Francia en Chile ) + US $1.000 en efectivo (entregado por CULDOC, la Corporación Cultural Documental que organiza FIDOCS). “Por encontrar un modo original de traducir una situación personal a términos cinematográficos, alternando con habilidad humor y emoción” sentencia el jurado integrado por Macarena Aguiló, Fernando Martín Peña y Marcelo Cordero.
PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
“Lo que falta”, del Colectivo Miope. Chile. Su premio entregado por la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores (DIRAC), consiste en el pago del subtitulaje de la película en el idioma que el realizador requiera (con un tope de US $1.500) + US $500 entregado por CULDOC. “Por su rigurosa construcción narrativa y poética de una tragedia a partir de vivencias cotidianas” sentencia el jurado integrado por Macarena Aguiló, Fernando Martín Peña y Marcelo Cordero.
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO
“Calafate, Zoológicos humanos”, de Hans Mülchi. Chile, Francia, Alemania, Suiza, Inglaterra, Bélgica. “Por su extraordinario trabajo de investigación en relación con la identidad y la memoria. Entendemos que revalida el potencial del cine como herramienta concreta de transformación” sentencia el jurado integrado por Macarena Aguiló, Fernando Martín Peña y Marcelo Cordero.
PREMIO DEL PUBLICO
“Calafate, Zoológicos humanos”, de Hans Mülchi. Chile, Francia, Alemania, Suiza, Inglaterra, Bélgica. El PREMIO DEL PÚBLICO, es obtenido a partir de la votación voluntaria de los espectadores a la salida de cada función de las películas en competencia, consistente en US $500 entregado por CULDOC.
En la Competencia Latinoamericana todos los premios son entregados por CULDOC, la Corporación Cultural Documental que organiza FIDOCS. Y fueron 10 películas seleccionadas para ser parte de la Competencia Latinoamericana de FIDOCS. Más de cien postulantes de todo el continente convirtiéndose en la convocatoria más alta que haya tenido esta competencia desde que se creó en 2009, selección que fue completada con películas participantes en los festivales de Berlín, IDFA, BAFICI, Punta del Este, entre otros.
Los ganadores de la Competencia Latinoamericana son:
MEJOR PELICULA LATINOAMERICANA
“Noche sin fortuna” de Francisco Forbes y Álvaro Cifuentes.Argentina, Colombia. Recibe como PRIMER PREMIO, consistente en US $1.000. “Por su ostensible criterio autoral a la hora de organizar creativamente material de archivo, citas cinéfilas, testimonios, investigación sociológica y la recreación de la obra de un escritor colombiano y los sueños de una generación inconformista latinoamericana”, sentencia por unanimidad el jurado integrado por Anne-Catherine Louvet, Roger Alan Koza y Rene Naranjo.
PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
“Hacerme feriante” de Julián D’Angiolillo. Argentina. El premio del Jurado es consistente en US $500. “Por su original y lúcido trabajo de registro sobre un fenómeno tan universal como específico de la actualidad de las reglas no escritas de la economía global y dar visibilidad a una experiencia colectiva y misteriosamente vital”, sentencia el jurado integrado por Anne-Catherine Louvet, Roger Alan Koza y Rene Naranjo.
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO
“El Mocito” de Marcela Said y Jean de Certeau. Chile. “Por elegir una aproximación heterodoxa y provocativa de interrogar la historia reciente de Chile y las consecuencias de la impunidad en la sociedad chilena en la actualidad”, sentencia el jurado integrado por Anne-Catherine Louvet, Roger Alan Koza y Rene Naranjo.
PREMIO DEL PUBLICO
“Impunidad” de Hollman Morris y Juan José Lozano. Recibe PREMIO DEL PÚBLICO, obtenido a partir de la votación voluntaria de los espectadores a la salida de cada función de las películas en competencia, consistente en US $500.
UNA NUEVA COMPETENCIA
En la Competencia Primer Corte que es la primera competencia de work in progress documental en Chile: Primer Corte FIDOCS. Y que tiene por objetivo ayudar a las películas documentales chilenas en la última etapa de la post producción.
Primer lugar de Primer Corte
“La ultima Estación”, de los directores Catalina Vergara y Cristian Soto. Chile. Recibe un premio de post de imagen auspiciado por KINÉ-IMÁGENES (siete jornadas de servicios de Diagnóstico, Conformado, Corrección de Color, VFX, Créditos, Master HD, valorizado en $8 millones). “Por llevarnos de forma delicada y sensible por un mundo donde la vida y la muerte dialogan en el día a día. Pequeños gestos nos acercan a otros mundos, envueltos en poesía”, sentencia el jurado integrado por Claas Danielsen, Luis González , Soledad Salfate.
PREMIO DOCSANTIAGO 2011
Respecto a Premio DOCSantiago, los ganadores son:
Ganador DOC Santiago 2011 es para “Levaggi” de Constanza Fernández. “A partir de una pequeña historia, seductora visualmente, Levaggi logra trascender de la historia íntima y personal para transmitir un mensaje más allá de las fronteras donde transcurre. Un proyecto documental con gran potencial para su proyección internacional, con posibilidades de concretar acuerdos de co producción y pre-ventas en el mercado internacional” sentencia el jurado integrado por Ángela Poblete, Marcelo Céspedes, Alberto Gesswein y Felipe Vera.
Mejor Pitching es para “10 Oriente” de Carla Díaz. “El jurado adjudica esta mención a los representantes del proyecto ‘10 Oriente’, por la calidad de expresión que tuvo su pitching, destacando la sencillez, solidez, convicción y pasión al momento de exponer y defender su proyecto”, sentencia el jurado integrado por Ángela Poblete, Marcelo Céspedes, Alberto Gesswein y Felipe Vera.
Mención Honrosa es para “Sin chapa Adriana” de Lissette Orozco. “El jurado estimó adjudicar una mención honrosa a ‘Sin chapa Adriana’, por el aporte que significa este proyecto a nuevos puntos de vista desde donde es necesario abordar la temática de la violación a los derechos humanos en Chile durante la dictadura militar y sus secuelas insospechadas”, sentencia el jurado integrado por Ángela Poblete, Marcelo Céspedes, Alberto Gesswein y Felipe Vera.
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imagen Surviving Amina
15:00 – CENTRO ARTE ALAMEDA
PANORAMA INTERNACIONAL
Surviving Amina (65’, Dir: Bárbara CELIS)
15:30 – LASTARRIA 90
FOCO FRANÇOIS CAILLAT
Julia Kristeva, extraña extranjera (60’)
16:00 – SALA CINE UC
COMPETENCIA NACIONAL
La clausura del desierto (51’, Dir: Mixie ARAYA)
16:00 – MUSEO DE LA MEMORIA
FOCO DD.HH..
La cicatriz de Paulina (64’, Dir: Manuel LEGARDA)
17:00 – CENTRO ARTE ALAMEDA
PANORAMA INTERNACIONAL
Foreign parts (81’, Dir: V. PARAVEL, J.P. SNIADECKI)
17:00 – LASTARRIA 90
FOCO TALENTOS
Ofrenda (53’, Dir: Óscar CARRILLO)
17:30 – SALA CINE UC
ESCUELA DE ESPECTADORES
Somos + (15’, Dir: P. CHASKEL, P. SALAS)
Imágenes de una dictadura (60’, Dir: P. HENRIQUEZ)
18:00 – MUSEO DE LA MEMORIA
FOCO DD.HH..
Lecciones para Zafirah (74’, Dir: C. RIVAS, D. SARHANDI)
18:30 – LASTARRIA 90
COMPETENCIA LATINOAMERICANA
Color perro que huye (70’, Dir: Andrés DUQUE)
19:00 – SALA CINE UC
PANORAMA INTERNACIONAL
Che, un hombre nuevo (124’, Dir: Tristán BAUER)
19:00 – CENTRO ARTE ALAMEDA
FOCO ABRE LOS OJOS
180º South (85’. Dir: Chris MALLOY)
20:00 – LASTARRIA 90
PANORAMA INTERNACIONAL
Qu’ils reposent en révolte (150’, Dir: Sylvain GEORGE)
20:00 – MUSEO DE LA MEMORIA
FOCO DD.HH..
Las manos en la tierra (52’, Dir: Virginia MARTÍNEZ)
21:00 – CENTRO ARTE ALAMEDA
FOCO PERSONALIDADES UFO
Deux de la vague (91’, Emmanuel LAURENT)
21:30 – SALA CINE UC
COMPETENCIA LATINOAMERICANA
Novena (95’, Dir: Enrique COLLAR)
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